Vacante: Arquitectura

ARQUITECTO(a): Diseño Urbano y Paisaje

A) Egresado(a) de la carrera de Arquitectura o Urbanística 
 
B) Mínimo 1 año de experiencia comprobable en proyectos de diseño de espacio público y paisaje
 
C) Interés por proyectos integrales de diseño en colaboración con otras disciplinas. 
 
.         Facilidad de trabajo en equipo
·         Interés por aprender nuevas metodologías de trabajo.
·         Disponibilidad para viajar dentro del país.
 
D) Tipo de proyectos en los que participaría el interesado :
 
·         Diseño de espacio público y privado
 
E) Habilidades del interesado: 
 
·        Software de diseño (Autocad, SketchUp, Photoshop, Illustrador, Office)
.        Preferencia, licencia de manejo e Inglés.
 
Interesados favor de: 
 

Vacante Arquitectura

ARQUITECTO(a): Diseño Urbano y Paisaje

A) Egresado(a) de la carrera de Arquitectura o Urbanística 
B) Mínimo 1 año de experiencia comprobable en proyectos de diseño de espacio público y paisaje
C) Interés por proyectos integrales de diseño en colaboración con otras disciplinas. 
.         Facilidad de trabajo en equipo
·         Interés por aprender nuevas metodologías de trabajo.
·         Disponibilidad para viajar dentro del país.
D) Tipo de proyectos en los que participaría el interesado :
·         Diseño de espacio público y privado
E) Habilidades del interesado: 
·        Software de diseño (Autocad, SketchUp, Photoshop, Illustrador, Office)
.        Preferencia, licencia de manejo e Inglés.
Interesados favor de: 

Leonardo Díaz Borioli, imparte con SANAA taller de diseño.

Aprovechando la presencia de SANAA en Nueva York para la supervisión de la edificación New Museum y como parte de su entrenamiento de Ph.D, nuestro director creativo impartió con Kazuyo Sejima y Ryue Nishizawa, directores de SANAA, un taller en la universidad de Princeton sobre el tema de vivienda mínima en Tokyo. El programa y sitio del taller replican el proyecto Moriyama House de SANAA.

 

Estudio 3.14, uno de los #10 Despachos + disruptivos 2017

La firma, con sede en Zapopan, desarrolló el Sistema Metropolitano de Espacios Públicos para incidir en la política pública y crear ciudades sustentables. Hoy es uno de los 10 Despachos más disruptivos.

 

 

Nota del editor: Esta nota se publicó originalmente en la edición 531 de la revista Obras, 10 Despachos + Disruptivos, correspondiente a marzo de 2017.

Un muro rosa que se imponga como un hito a lo largo de toda la frontera estadounidense. Que sea autosustentable y con prisión incorporada, en donde los 13 millones de indocumentados puedan maquilar durante 16 años hasta financiar el muro. Así es el diseño que los becarios del despacho de arquitectura Estudio 3.14 elaboraron con base en las ideas de Donald Trump.

La obra, además de funcional, es hermosa y está inspirada en el arquitecto Luis Barragán para acabar de complacer al presidente estadounidense.

Con esta propuesta que se viralizó, el despacho quiso concientizar al público acerca del descabellado plan fronterizo. Y, sobre todo, demostrar que la arquitectura —que históricamente ha definido a las civilizaciones— sigue siendo capaz de darle forma a las palabras de los más poderosos.

«Nos llevamos a la arquitectura de la última plana del periódico a la primera», dice Leonardo Díaz Borioli, director creativo del despacho.

 

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Parque Tonalá, Sector Público, Zona Metropolitana de Guadalajara. Anteriormente era un predio baldío.

 

 

Una herramienta para tomadores de decisiones

No es casualidad que este equipo multidisciplinario conformado por arquitectos, diseñadores, urbanistas, interioristas y sociólogos haya lanzado una iniciativa para generar un impacto social.

La firma, con sede en Zapopan, Jalisco, y que se autodefine como especialista en la arquitectura de las relaciones, trabaja en un procedimiento para integrar sistemáticamente a los distintos actores de una ciudad y generar soluciones sustentables en ella, el Sistema Metropolitano de Espacios Públicos (Simep).

Este proyecto lo convirtió en el octavo lugar de los #10Despachos + disruptivos 2017 de

Obras.

El invento tiene un mecanismo de información geográfica que califica proyectos en una escala del 1 al 10, basándose en una fórmula que mide la alineación con los objetivos urbanos de los planes de desarrollo federal, estatal y municipal, así como los estándares internacionales de calidad de vida.

Se trata de una herramienta que pueden usar los tomadores de decisiones para asignar los fondos públicos de forma equitativa, conectada y amigable con el medio ambiente.

 

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Parque Tonalá, Sector Público, Zona Metropolitana de Guadalajara. Anteriormente era un predio baldío.

 

El logro

 

La idea surgió hace siete años, cuando quisieron construir una torre de 20 pisos en la avenida Vallarta. El equipo estaba seguro de que la ciudad necesitaba ese edificio para contribuir a su densificación. Pero el entorno no estaba listo. «Ni las leyes, ni la infraestructura, ni la sociedad misma lo quería», apunta el director creativo.

Entonces diseñaron un plan: incidirían en la política pública y regresarían a la promoción inmobiliaria para hacer sus propuestas en una ciudad que ya estuviera lista.

Para empezar, 3.14 realizó un ciclo de conferencias con promotores inmobiliarios para hablar sobre cómo podían densificar la ciudad. Utilizaron el Museo de la Ciudad, en Guadalajara, como un canal para difundir su mensaje, e hicieron un manifiesto en los medios de comunicación con esta propuesta de ciudad densa.

Después de ver una de las exhibiciones, el gobierno municipal los llamó para participar en la Estrategia Territorial para la Prosperidad Urbana Zapopan 2030, que derivó en un plan de obra pública y fue gestando la fórmula para que los políticos tuvieran un componente extra de toma de decisiones del gasto público.

Acto seguido, escalaron la propuesta a la zona metropolitana de Guadalajara y el resultado fue la redirección de más de 3,000 millones de pesos del fondo metropolitano.

 

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Parque Tonalá, Sector Público, Zona Metropolitana de Guadalajara. Anteriormente era un predio baldío.

 

«De un sexenio a otro, la obra pública pasó de invertir 100% del fondo metropolitano en el automóvil a gastar 75% en espacio y transporte público», explica Díaz Borioli. Esto se alineó con el desarrollo de un proyecto de 25,000 millones de pesos: la Línea 3 del Metro.

Luego el despacho pasó a la tercera parte del plan: regresar a la promoción inmobiliaria para que Guadalajara tenga la infraestructura que necesita si quiere que sus habitantes ya no vivan a kilómetros de los centros de la urbe.

Enfrente del sistema férreo ya hay un proyecto que compró el municipio, un centro comercial integrado a una estación. Aunado a esto hay una visión de construir 147,000 viviendas para que los que no tenían los recursos para vivir dentro de la ciudad, puedan hacerlo.

 

Click aquí para ver video de Obras Web.

Fuente: OBRAS WEB 

Historia, historia de la arquitectura y Eric Fernie.

La ‘Historia’ es una etiqueta que puede presentar complejidades irrelevantes, según el historiador del arte Eric Fernie (1939-),  quien menciona que hay cuatro problemas principalmente:

  1. Significa tanto el pasado como el estudio académico del pasado.
  2. Debido a su asociación con documentos escritos, este estudio académico se aplica sólo a un pequeño fragmento del pasado humano. Esto a su vez conduce a lo absurdo de un período llamado ‘prehistoria’, lo que se vuelve doblemente extraño por el hecho de que el pasado pre o no humano se conoce muy apropiadamente como «historia natural».
  3. La arqueología, que es el estudio de la evidencia material o no documental. Aunque su  papel es claro y esencial, los arqueólogos han tendido a definir su contribución como un tema en sí mismo, un gemelo con la historia. Sin embargo, estos no son dos temas diferentes, como, por ejemplo, química y física o lingüística y anatomía, que, incluso si se superponen, realmente son áreas diferentes de investigación. El pasado es una red sin fisuras y la arqueología es simplemente uno de los conjuntos de técnicas de la disciplina histórica con la que se explora.
  4. Historia ha significado tradicionalmente la historia del poder, dejando que el estudio de otros aspectos del pasado sea identificado como tal (historia social, historia económica, etc., cada uno con su adjetivo). Por ejemplo es fácil aceptar que el poder político tiene un mayor impacto en, por ejemplo, la arquitectura que viceversa.

 

Las subdivisiones principales son por área de actividad humana (política, social, económica, arquitectónica, metrológica), por período (bizantino, moderno, siglo XIX), por lugar (latinoamericano, escocés, local) y por rama, (paleográfica, lingüística, petrológica). Todos son capaces de cruzarse con los demás. Todos tienen fuertes tendencias a la separación, porque de cosas como la ambición académica y la sociabilidad, y porque las diferencias son exageradas por diversas organizaciones, como las sociedades científicas como la nuestra.

      Es por todas estas confusiones que el Dr Fernie ofrece su punto de vista sobre los problemas que puedan presentar ante el historiador de la arquitectura al mismo tiempo que propone una solución.

      El historiador de la arquitectura, como todos los demás, debe tener cuidado al usar evidencia documental. Tomar textos al pie de la letra es un buen principio, pero puede inducir a errores. Éstos son el reverso de los textos engañosos, ya que están disponibles y son claros en su significado, pero son ignorados, o en el mejor de los casos, discutidos.

     El análisis estilístico, una de las principales herramientas históricas del arte para tratar con objetos, ha sido criticado por todos lados, por historiadores documentales, por arqueólogos, por antropólogos. Contra esta crítica, sin embargo, hay una consideración poderosa, a saber, la importancia que tiene el estilo para los miembros de una sociedad. Uno solo necesita recordar de su propia experiencia.

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De igual manera, el historiador del arte escocés, comenta que aunque un arquitecto que escriba historia de la arquitectura y esta se vea enriquecida con muchos conceptos y aportaciones – debido a la experiencia en el campo-, no habrá alguien que compare las habilidades del  historiador en esta misma tarea.

 

La máquina para vivir en cinco puntos.

El arquitecto suizo, Le Corbusier (1887 – 1965) publicó en 1927 un libro titulado Les cinq points de l’architecture moderne (Los cinco puntos de una arquitectura moderna). En este resumía su experiencia obtenida en la construcción de varias de las Villas que realizó en los años 20’s, especialmente en la Villa Savoye.

Les 5 Points d’une Architecture Nouvelle, que Le Corbusier finalmente formuló en 1927 incluía:

  1. Los pilotis o pilares son la base de la nueva estática y estos sustituyen a las paredes, elevando la masa.  
  2. El diseño libre de la planta, logrado a través de la separación de las columnas de carga de las paredes que subdividen el espacio.
  3. La fachada tiene libre diseño teniendo libertad de restricciones estructurales.  
  4. La ventana con un trazo horizontal, esta corta la fachada en su longitud para poder iluminar cada habitación por igual.
  5. La azotea ajardinada o roof garden, sobre un techo totalmente plano al cual se le puede dar un uso doméstico al mismo tiempo que cubre el techo de concreto.

 

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Dibujo de Le Corbusier para mostrar las ventajas de los cinco puntos.

 

Estos puntos se notaron de una mejor manera en la arquitectura doméstica creada por Le Corbusier. El primer intento para lidiar con el problema de la vivienda masiva fue la Maisons Citröhan, diseñada entre 1920-22. Todas las partes de la casa se encuentran unidas por un espacio continuo, mientras que el espacio abierto creado por los pilares y el techo plano aumenta el área disponible.

      Le Corbusier estableció su concepto de la vivienda estandarizada, producida en masa y utilizable tal como el auto moderno. La casa Citröhan tiene los elementos del sistema constructivo Dom-Ino, que es el uso de un marco de hormigón armado. Citröhan  presentó las ideas de los 5 puntos de nuevo; el edificio levantado del suelo con los pilotis, que libera al suelo para la circulación de vehículos. El roof garden o terraza, que está claramente establecido en esta construcción entra como un componente del espacio privado, doméstico.

      La Villa Cook (1926) en Boulogne-Billancourt, Francia, en su momento fue (casi) el prototipo perfecto de una pequeña vivienda urbana unifamiliar en donde empleó varias de sus ideas. La planta baja está casi completamente abierta; y cuenta con espacio de estacionamiento para un automóvil, la entrada adjunta es pequeña y la escalera , y una terraza abierta pavimentada. En los pisos superiores se utilizaron pocas columnas de concreto.

 

 

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Fotografía del interior de la Villa Cook.

 

Habiéndose asegurado de los Cinco Puntos en el diseño de la Maison Cook, Le Corbusier estaba a punto de explorar otras posibilidades del sistema. Esto llevó a diversas ventajas tanto prácticas, así como espaciales  y de flexibilidad formal, en la Villa Stein que Le Corbusier construyó en Garches (1927). De nuevo, pilotis apoyando una parte de la planta baja; un cubo al aire libre ahuecado de dos pisos; particiones libremente curvadas en cada piso; utilizó la  sección dorada para el diseño de la fachada; y un jardín en la azotea en la parte superior. Esta construcción fue una contribución al objetivo central de Le Corbusier: crear prototipos para una ciudad vertical.

 

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Fachada de la Villa Stein.

 

También la Villa Savoye fue parte del concepto central que Le Corbusier desarrolló por primera vez en la casa Citröhan en 1922. Reveló el mismo lenguaje que se remonta hasta Villa Stein, pero reorganizado de una manera ligeramente diferente. La villa en Poissy también fue una realización utilizando los cinco puntos. Además de demostrar esto, también tiene los elementos característicos, como la rampa de entrada (que atraviesa la mitad de la cuadrícula), muros curvos del solarium y, la construcción pilotis. Una vez dentro de la planta baja, uno puede caminar a través de una rampa o una escalera curva. El primer piso, rodeado completamente por un ventana horizontal, luz y el aire penetró por todas partes. El contacto directo con el paisaje circundante se logra mediante diversos aberturas, las vistas se enmarcan como una imagen.

 

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Villa Savoye foto por Pascal Lemaitre.

 

Aunque ha sido criticado el manifiesto de Le Corbusier, también es cierto que ha tenido una gran influencia en la arquitectura moderna. Esto es evidente en La Villa Savoye, la cual resumió los cinco puntos y que resultó ser una obra maestra del diseño del siglo XX y una de las mejores obras de Le Corbusier. Los cinco puntos han permitido una gran variedad de ideas y posibilidades en el diseño de la arquitectura hasta nuestros días. 

 

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Proyecto de Zaha Hadid en La Haya (2010).

 

 

 

Diferencias entre Arte y Diseño.

Varias veces los términos Arte y Diseño son utilizados como si estos fueran sinónimos, sin embargo hay grandes diferencias a considerar. En otras ocasiones se utiliza la palabra «arte» para poner en un pedestal y elevar a un nivel de grandiosidad algún trabajo de diseño que les ha gustado o que ha sido exitoso.

Pero entonces ¿Cuál ésta diferencia a la que nos referimos? ¿No deberían estar relacionadas al menos por el hecho de que comparten muchas técnicas y de que a veces responden a las mismas estéticas? ¿O de plano son totalmente distintos? 

Nos parece que la diferencia entre Arte y Diseño no radica tanto en cómo se ven, sino en su objetivo. Ambas tienen diferentes propósitos, tienen diferentes procesos y son (o deberían ser) juzgados por diferentes audiencias. 

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Propósitos

Durante una entrevista en 1974, Milton Glaser afirmó que, mientras un diseño debe llevar una carga planificada de información (con la intención de ser comunicada claramente), la función esencial del arte es “intensificar la percepción de la realidad”. Ésto básicamente significa que el diseño es utilitario y arte el no.

El Diseño es el cómo de una cosa: ¿cómo ordenar partes?, ¿cómo alcanzar los intereses de un cliente?,  ¿cómo hacer más clara la información? etc. El Arte, por otro lado, es su propio fin. Es decir, subordina todo lo que percibe del mundo exterior hacia sus propios propósitos. Éste no necesita ser claro -como lo debería ser una ilustración-, ni satisfacer los deseos de compra -a comparación del diseño-, o los gustos del público -ya que no es una tendencia de diseño de modas-.

Varios artistas aseguran que su arte alude a lo que ven en la naturaleza, en otras palabras, manera de comunicar lo que han percibido es bajo sus propios términos. Ésta definitivamente no es la ruta del diseño, el cual primero se pregunta su propósito y solamente después elabora su trabajo hacia ese fin.

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Procesos creativos

Si los propósitos del arte y del diseño son diferentes, entonces también deberían serlo las maneras de llegar a ellos. Por ejemplo, cuando pensamos en un artista a punto de pintar, lo imaginamos parado frente un lienzo en blanco concentrado en cómo realizar su obra.

Esto se debe, en parte, a que el artista usualmente tiene un fin en mente. Algo que puede ser un retrato o un paisaje o alguna abstracción de formas como la escultura  “Formas únicas de continuidad en el espacio” de Umberto Boccioni. Sin importar el tema,  para decidir esto no existe ningún tipo de limitación o restricción.

En contraste, el diseñador comienza con componentes ya existentes, como el texto, fotos, formatos de producción, colores básicos y un manual de identidad (si tiene suerte). El diseñador consulta al cliente sobre el uso final, audiencias, aplicaciones y otros factores. La tarea del diseñador es tener la visión de cómo estos elementos deben conjuntarse (con una habilidad técnica) para generar un producto que contenga una sensibilidad estética  y que cumpla sus objetivos.

A través de la historia, los propósitos del arte han cambiado constantemente: promover moralidad, compartir “verdades visionarias”, mirar hacia adentro, juzgar a la sociedad, etc. Es por eso que el arte debe ser juzgado en términos de belleza y verdad, donde ni el número de utilidades ni su practicidad son criterios que deban influir en su valor.

El diseño es juzgado de otra manera: si no hace el trabajo satisfactoriamente, no es bueno. ¿El diseño sirve al producto? ¿Logra el fin de vender, informar, persuadir, dirigir o entretener? Éstas son las preguntas esenciales y si no responde a alguna de ellas (usualmente con números), es considerado como un fracaso. Si eso pasa, ninguna cantidad de glamour estético será capaz de reparar el daño. 

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La audiencia 

Las audiencias tanto del Arte como del Diseño esperan recibir diferentes cosas. La audiencia del primero quiere ver la obra o escuchar la composición; para la contemplación y quizás vivir una experiencia. El arte genera atención hacia sí mismo, su forma es un medio para atraer a las personas y permitirles vivir algo diferente.

Por otro lado, la audiencia del diseño quiere claridad a la hora de encontrar la estación del metro o escoger el mejor jabón para su piel. Esto no quiere decir que el diseño no pueda atrapar la atención y generar emociones en un observador. Sin embargo, su intención inicial siempre será la de hacer llegar su mensaje de manera clara, antes de distraer al espectador por la “habilidad” del diseñador.

Por ejemplo, si una persona se conmueve ante el “Composition II” de Piet Mondrian, entonces habrá respondido “exitosamente” a la obra artística. Pero si una persona es capaz de describir claramente las características de un millenial gracias a una ilustración de Pictoline, entonces está respondiendo a los propósitos del diseño. 

Es así que la diferencia entre arte y diseño reside en la forma en que los vemos. El diseño tiene la intención de ser visto “desde afuera” y el arte de ser “visto hacia adentro”. El diseño debe hacer más fáciles nuestras vidas a través de la generación funcional y estética de cosas u objetos que nos beneficien. El arte debería complacernos con representaciones de cosas para percibir y deliberar.

 

Aranzazú Alvirde 

Aprendiendo de Learning From Las Vegas.

Uno de los programas con los que cuenta el Estudio 3.14 es al que se ha llamado Learning From (…) y del que actualmente se cuenta con dos ediciones. Si bien es cierto que el nombre da una pista de lo que podemos encontrar, es necesario conocer de dónde se ha tomado prestado el nombre para poder saber el trasfondo de éste proyecto.

En la revista Architectural Forum de Marzo de 1968 se publicó un artículo escrito por los arquitectos Estadounidenses Denise Scott Brown y su esposo Roberto Venturi. Este lleva por título “A Significance for A&P Parking Lots, or Learning from Las Vegas”.

No hace falta leer más allá de la primeras páginas para comprender que en dicho artículo se estudia de forma analítica el quehacer arquitectónico de la época y que se analiza a la corriente Modernista. Para sustentar lo dicho, se enfocan específicamente en una pequeña sección de no más de 7 km de longitud; Las Vegas Strip, ésta ruta turística que a partir de su creación y su propagación ha ocupado un lugar en nuestro imaginario.

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Mapa de Las Vegas Strip tomada del libro Learning From Las Vegas, 1972

Durante los siguientes tres años realizaron varios viajes de campo a Las Vegas, Nevada; tanto el dúo de arquitectos como un grupo de estudiantes de la Yale School of Arts And Architecture. Durante estos se reflexionó sobre la arquitectura, el imaginario y los símbolos de dicho lugar, el ejercicio terminó con la crítica del pensamiento de Le Corbusier y seguidores.

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Fotografías de Roberto Venturi y Denise Scott Brown en Las Vegas, 1968. Archivo de Venturi and Scott Brown.

Para el año de 1972 bajo el sello editorial del MIT, se publicó Learning From Las Vegas, un libro que dividió las opiniones de los arquitectos y de los estudiosos de la materia. Dicha obra está distribuida en dos partes; la primera es el artículo (ya antes mencionado) del ‘68 y la segunda lleva por título “Ugly and Ordinary Architecture, or the Decorated Shed” (La arquitectura fea y ordinaria, o la caja decorada).

Dicho ejercicio práctico y teórico sentó las bases para una propuesta Postmodernista, en donde se incorpora a la tarea del arquitecto el conocer y comprender el contexto circundante del lugar a trabajar: contemplando el ambiente social, natural, construído e histórico.

El ejemplo con el que nos mostraron ésto, es la comparación entre el pato y la caja decorada («The Duck and the Decorated Shed»). El primero personifica a un edificio del movimiento Moderno, el cual es expresivo tanto en forma como en volumen. Mientras el segundo se basa en los símbolos y en el imaginario, justo como los arquitectos lo hacían en la Edad Media

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Ilustración tomada de Learning From Las Vegas, 1972.

Argumentaron que las construcciones que preceden al movimiento Moderno utilizaban la ornamentación en las fachadas para transmitir un significado, mientras que los modernistas pusieron su confianza en los elementos estructurales (o corporales) para emitir la significación. Es así que para los autores el movimiento liderado por Le Corbusier, es uno totalmente mudo y vacío.

En el Estudio 3.14 se han implementado una serie de prácticas de campo que se conciben desde el planteamiento de Venturi y Scott Brown. Estas nos ayudan a conocer, comprender y realizar mejor nuestro trabajo profesional de una manera razonada, en donde no solamente se sigue el instinto creador sino también el de la investigación.

Es así que se generan dentro del Estudio dos ejercicios que exploran la metodología de estos dos arquitectos estadounidenses; Learning From Tapalpa (2017) y Learning From Rancho (2017). Ambos proyectos se han nutrido de texturas, colores e historias que sin éstas prácticas no hubieran sido contempladas en nuestro deber con la arquitectura y su entorno.

 

 

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Equipo multidiciplinario del Estudio 3.14 trabajando en Learning From Rancho (2017).

 

La experiencia obtenida de ambos estudios serán publicadas en las siguientes ediciones del newsletter. Mientras tanto pueden revisar algunas de las fotografías que se tomaron en la cuenta de Instagram.

 

Gypsy Lara