Historia, historia de la arquitectura y Eric Fernie.

La ‘Historia’ es una etiqueta que puede presentar complejidades irrelevantes, según el historiador del arte Eric Fernie (1939-),  quien menciona que hay cuatro problemas principalmente:

  1. Significa tanto el pasado como el estudio académico del pasado.
  2. Debido a su asociación con documentos escritos, este estudio académico se aplica sólo a un pequeño fragmento del pasado humano. Esto a su vez conduce a lo absurdo de un período llamado ‘prehistoria’, lo que se vuelve doblemente extraño por el hecho de que el pasado pre o no humano se conoce muy apropiadamente como “historia natural”.
  3. La arqueología, que es el estudio de la evidencia material o no documental. Aunque su  papel es claro y esencial, los arqueólogos han tendido a definir su contribución como un tema en sí mismo, un gemelo con la historia. Sin embargo, estos no son dos temas diferentes, como, por ejemplo, química y física o lingüística y anatomía, que, incluso si se superponen, realmente son áreas diferentes de investigación. El pasado es una red sin fisuras y la arqueología es simplemente uno de los conjuntos de técnicas de la disciplina histórica con la que se explora.
  4. Historia ha significado tradicionalmente la historia del poder, dejando que el estudio de otros aspectos del pasado sea identificado como tal (historia social, historia económica, etc., cada uno con su adjetivo). Por ejemplo es fácil aceptar que el poder político tiene un mayor impacto en, por ejemplo, la arquitectura que viceversa.

 

Las subdivisiones principales son por área de actividad humana (política, social, económica, arquitectónica, metrológica), por período (bizantino, moderno, siglo XIX), por lugar (latinoamericano, escocés, local) y por rama, (paleográfica, lingüística, petrológica). Todos son capaces de cruzarse con los demás. Todos tienen fuertes tendencias a la separación, porque de cosas como la ambición académica y la sociabilidad, y porque las diferencias son exageradas por diversas organizaciones, como las sociedades científicas como la nuestra.

      Es por todas estas confusiones que el Dr Fernie ofrece su punto de vista sobre los problemas que puedan presentar ante el historiador de la arquitectura al mismo tiempo que propone una solución.

      El historiador de la arquitectura, como todos los demás, debe tener cuidado al usar evidencia documental. Tomar textos al pie de la letra es un buen principio, pero puede inducir a errores. Éstos son el reverso de los textos engañosos, ya que están disponibles y son claros en su significado, pero son ignorados, o en el mejor de los casos, discutidos.

     El análisis estilístico, una de las principales herramientas históricas del arte para tratar con objetos, ha sido criticado por todos lados, por historiadores documentales, por arqueólogos, por antropólogos. Contra esta crítica, sin embargo, hay una consideración poderosa, a saber, la importancia que tiene el estilo para los miembros de una sociedad. Uno solo necesita recordar de su propia experiencia.

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De igual manera, el historiador del arte escocés, comenta que aunque un arquitecto que escriba historia de la arquitectura y esta se vea enriquecida con muchos conceptos y aportaciones – debido a la experiencia en el campo-, no habrá alguien que compare las habilidades del  historiador en esta misma tarea.

 

La máquina para vivir en cinco puntos.

El arquitecto suizo, Le Corbusier (1887 – 1965) publicó en 1927 un libro titulado Les cinq points de l’architecture moderne (Los cinco puntos de una arquitectura moderna). En este resumía su experiencia obtenida en la construcción de varias de las Villas que realizó en los años 20’s, especialmente en la Villa Savoye.

Les 5 Points d’une Architecture Nouvelle, que Le Corbusier finalmente formuló en 1927 incluía:

  1. Los pilotis o pilares son la base de la nueva estática y estos sustituyen a las paredes, elevando la masa.  
  2. El diseño libre de la planta, logrado a través de la separación de las columnas de carga de las paredes que subdividen el espacio.
  3. La fachada tiene libre diseño teniendo libertad de restricciones estructurales.  
  4. La ventana con un trazo horizontal, esta corta la fachada en su longitud para poder iluminar cada habitación por igual.
  5. La azotea ajardinada o roof garden, sobre un techo totalmente plano al cual se le puede dar un uso doméstico al mismo tiempo que cubre el techo de concreto.

 

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Dibujo de Le Corbusier para mostrar las ventajas de los cinco puntos.

 

Estos puntos se notaron de una mejor manera en la arquitectura doméstica creada por Le Corbusier. El primer intento para lidiar con el problema de la vivienda masiva fue la Maisons Citröhan, diseñada entre 1920-22. Todas las partes de la casa se encuentran unidas por un espacio continuo, mientras que el espacio abierto creado por los pilares y el techo plano aumenta el área disponible.

      Le Corbusier estableció su concepto de la vivienda estandarizada, producida en masa y utilizable tal como el auto moderno. La casa Citröhan tiene los elementos del sistema constructivo Dom-Ino, que es el uso de un marco de hormigón armado. Citröhan  presentó las ideas de los 5 puntos de nuevo; el edificio levantado del suelo con los pilotis, que libera al suelo para la circulación de vehículos. El roof garden o terraza, que está claramente establecido en esta construcción entra como un componente del espacio privado, doméstico.

      La Villa Cook (1926) en Boulogne-Billancourt, Francia, en su momento fue (casi) el prototipo perfecto de una pequeña vivienda urbana unifamiliar en donde empleó varias de sus ideas. La planta baja está casi completamente abierta; y cuenta con espacio de estacionamiento para un automóvil, la entrada adjunta es pequeña y la escalera , y una terraza abierta pavimentada. En los pisos superiores se utilizaron pocas columnas de concreto.

 

 

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Fotografía del interior de la Villa Cook.

 

Habiéndose asegurado de los Cinco Puntos en el diseño de la Maison Cook, Le Corbusier estaba a punto de explorar otras posibilidades del sistema. Esto llevó a diversas ventajas tanto prácticas, así como espaciales  y de flexibilidad formal, en la Villa Stein que Le Corbusier construyó en Garches (1927). De nuevo, pilotis apoyando una parte de la planta baja; un cubo al aire libre ahuecado de dos pisos; particiones libremente curvadas en cada piso; utilizó la  sección dorada para el diseño de la fachada; y un jardín en la azotea en la parte superior. Esta construcción fue una contribución al objetivo central de Le Corbusier: crear prototipos para una ciudad vertical.

 

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Fachada de la Villa Stein.

 

También la Villa Savoye fue parte del concepto central que Le Corbusier desarrolló por primera vez en la casa Citröhan en 1922. Reveló el mismo lenguaje que se remonta hasta Villa Stein, pero reorganizado de una manera ligeramente diferente. La villa en Poissy también fue una realización utilizando los cinco puntos. Además de demostrar esto, también tiene los elementos característicos, como la rampa de entrada (que atraviesa la mitad de la cuadrícula), muros curvos del solarium y, la construcción pilotis. Una vez dentro de la planta baja, uno puede caminar a través de una rampa o una escalera curva. El primer piso, rodeado completamente por un ventana horizontal, luz y el aire penetró por todas partes. El contacto directo con el paisaje circundante se logra mediante diversos aberturas, las vistas se enmarcan como una imagen.

 

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Villa Savoye foto por Pascal Lemaitre.

 

Aunque ha sido criticado el manifiesto de Le Corbusier, también es cierto que ha tenido una gran influencia en la arquitectura moderna. Esto es evidente en La Villa Savoye, la cual resumió los cinco puntos y que resultó ser una obra maestra del diseño del siglo XX y una de las mejores obras de Le Corbusier. Los cinco puntos han permitido una gran variedad de ideas y posibilidades en el diseño de la arquitectura hasta nuestros días. 

 

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Proyecto de Zaha Hadid en La Haya (2010).

 

 

 

Los lugares más populares en Instagram este 2017

Los números de Instagram sorprenden a cualquiera: la red social fundada en 2010 ya superó los 500 millones de usuarios activos diariamente y, según Alexa, es una de las veinte páginas web más visitadas en todo el mundo. ¿No te parece suficiente? Si vieras solo por 15 segundos cada imagen y video subido hoy a la red, deberías estar más de 45 años frente al teléfono para verlos todos.

Pero claro, ¿quién quiere ver fotografías de maceteros y pies en la playa? Enfoquémonos en algo más importante: ¿cuáles son los lugares más populares en Instagram? Los holandeses de Travelbird se dieron el trabajo de analizar tags de todo Instagram para hacer una selección de más de 400 lugares de todo el mundo. ¿Una pista? Mejor te damos dos: las obras arquitectónicas por sobre los lugares naturales acaparan los primeros lugares y Estados Unidos supera con creces al resto del mundo.

1. Disneyland, Estados Unidos: 14,62 millones

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2. Torre Eiffel, Francia: 7,25 millones

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3. Walt Disney World, Estados Unidos: 5,47 millones

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4. South Beach, Estados Unidos: 4,69 millones

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5. Muro de Berlín, Alemania: 4,60 millones

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6. Las Vegas, Estados Unidos: 3,65 millones

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7. Big Ben, Reino Unido: 2,56 millones

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8. Time Square, Estados Unidos: 2,52 millones

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9. Notre Dame, Francia: 2,52 millones

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10. Oktoberfest, Alemania: 2,26 millones

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Tomada de Archdaily México

Diferencias entre Arte y Diseño.

Varias veces los términos Arte y Diseño son utilizados como si estos fueran sinónimos, sin embargo hay grandes diferencias a considerar. En otras ocasiones se utiliza la palabra “arte” para poner en un pedestal y elevar a un nivel de grandiosidad algún trabajo de diseño que les ha gustado o que ha sido exitoso.

Pero entonces ¿Cuál ésta diferencia a la que nos referimos? ¿No deberían estar relacionadas al menos por el hecho de que comparten muchas técnicas y de que a veces responden a las mismas estéticas? ¿O de plano son totalmente distintos? 

Nos parece que la diferencia entre Arte y Diseño no radica tanto en cómo se ven, sino en su objetivo. Ambas tienen diferentes propósitos, tienen diferentes procesos y son (o deberían ser) juzgados por diferentes audiencias. 

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Propósitos

Durante una entrevista en 1974, Milton Glaser afirmó que, mientras un diseño debe llevar una carga planificada de información (con la intención de ser comunicada claramente), la función esencial del arte es “intensificar la percepción de la realidad”. Ésto básicamente significa que el diseño es utilitario y arte el no.

El Diseño es el cómo de una cosa: ¿cómo ordenar partes?, ¿cómo alcanzar los intereses de un cliente?,  ¿cómo hacer más clara la información? etc. El Arte, por otro lado, es su propio fin. Es decir, subordina todo lo que percibe del mundo exterior hacia sus propios propósitos. Éste no necesita ser claro -como lo debería ser una ilustración-, ni satisfacer los deseos de compra -a comparación del diseño-, o los gustos del público -ya que no es una tendencia de diseño de modas-.

Varios artistas aseguran que su arte alude a lo que ven en la naturaleza, en otras palabras, manera de comunicar lo que han percibido es bajo sus propios términos. Ésta definitivamente no es la ruta del diseño, el cual primero se pregunta su propósito y solamente después elabora su trabajo hacia ese fin.

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Procesos creativos

Si los propósitos del arte y del diseño son diferentes, entonces también deberían serlo las maneras de llegar a ellos. Por ejemplo, cuando pensamos en un artista a punto de pintar, lo imaginamos parado frente un lienzo en blanco concentrado en cómo realizar su obra.

Esto se debe, en parte, a que el artista usualmente tiene un fin en mente. Algo que puede ser un retrato o un paisaje o alguna abstracción de formas como la escultura  “Formas únicas de continuidad en el espacio” de Umberto Boccioni. Sin importar el tema,  para decidir esto no existe ningún tipo de limitación o restricción.

En contraste, el diseñador comienza con componentes ya existentes, como el texto, fotos, formatos de producción, colores básicos y un manual de identidad (si tiene suerte). El diseñador consulta al cliente sobre el uso final, audiencias, aplicaciones y otros factores. La tarea del diseñador es tener la visión de cómo estos elementos deben conjuntarse (con una habilidad técnica) para generar un producto que contenga una sensibilidad estética  y que cumpla sus objetivos.

A través de la historia, los propósitos del arte han cambiado constantemente: promover moralidad, compartir “verdades visionarias”, mirar hacia adentro, juzgar a la sociedad, etc. Es por eso que el arte debe ser juzgado en términos de belleza y verdad, donde ni el número de utilidades ni su practicidad son criterios que deban influir en su valor.

El diseño es juzgado de otra manera: si no hace el trabajo satisfactoriamente, no es bueno. ¿El diseño sirve al producto? ¿Logra el fin de vender, informar, persuadir, dirigir o entretener? Éstas son las preguntas esenciales y si no responde a alguna de ellas (usualmente con números), es considerado como un fracaso. Si eso pasa, ninguna cantidad de glamour estético será capaz de reparar el daño. 

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La audiencia 

Las audiencias tanto del Arte como del Diseño esperan recibir diferentes cosas. La audiencia del primero quiere ver la obra o escuchar la composición; para la contemplación y quizás vivir una experiencia. El arte genera atención hacia sí mismo, su forma es un medio para atraer a las personas y permitirles vivir algo diferente.

Por otro lado, la audiencia del diseño quiere claridad a la hora de encontrar la estación del metro o escoger el mejor jabón para su piel. Esto no quiere decir que el diseño no pueda atrapar la atención y generar emociones en un observador. Sin embargo, su intención inicial siempre será la de hacer llegar su mensaje de manera clara, antes de distraer al espectador por la “habilidad” del diseñador.

Por ejemplo, si una persona se conmueve ante el “Composition II” de Piet Mondrian, entonces habrá respondido “exitosamente” a la obra artística. Pero si una persona es capaz de describir claramente las características de un millenial gracias a una ilustración de Pictoline, entonces está respondiendo a los propósitos del diseño. 

Es así que la diferencia entre arte y diseño reside en la forma en que los vemos. El diseño tiene la intención de ser visto “desde afuera” y el arte de ser “visto hacia adentro”. El diseño debe hacer más fáciles nuestras vidas a través de la generación funcional y estética de cosas u objetos que nos beneficien. El arte debería complacernos con representaciones de cosas para percibir y deliberar.

 

Aranzazú Alvirde 

Estos fueron los ganadores de la Bienal de Arquitectura del Colegio de Arquitectos de Nuevo León.

El pasado 27 de octubre se llevó a cabo la ceremonia de premiación de la XIX Bienal de Arquitectura del Colegio de Arquitectos de Nuevo León. El evento tuvo lugar en el Pabellón M, donde además la exposición de todos los participantes se encuentra expuesta en la planta baja del mismo de edificio desde el 18 de octubre y hasta el 3 de noviembre.

La participación fue copiosa y 48 proyectos construidos en Nuevo León o por arquitectos de Nuevo León en México o el extranjero. Esta es la primera bienal de este Colegio que es expuesta públicamente en un lugar de concurrencia pública más allá de profesionales del gremio.

El gran premio, la Medalla de Oro fue otorgado al Proyecto Distrito Valle del Campestre diseñado por Ecotono Urbano del Arq. Oswaldo Zurita, quien se hizo acreedor al premio por convertirse en un ejemplo a seguir en el manejo del espacio público en Monterrey. Además se entregaron 10 callis de Cristal, 14 Menciones de honor y un ladrillo de Cristal a distintos proyectos participantes.

Por otro lado, se convocó a estudiantes de la carrera de arquitectura a participar en la Categoría Estudiantil. Conoce a todos los ganadores en la ésta liga.

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Cortesía de Colegio de Arquitectos de Nuevo León

 

CITA: Karina Zatarain. “Estos fueron los ganadores de la Bienal de Arquitectura del Colegio de Arquitectos de Nuevo León” 28 oct 2017. ArchDaily México. Accedido el 31 Oct 2017. <https://www.archdaily.mx/mx/882501/estos-fueron-los-ganadores-de-la-bienal-de-arquitectura-estudiantil-del-colegio-de-arquitectos-de-nuevo-leon>

 

Aprendiendo de Learning From Las Vegas.

Uno de los programas con los que cuenta el Estudio 3.14 es al que se ha llamado Learning From (…) y del que actualmente se cuenta con dos ediciones. Si bien es cierto que el nombre da una pista de lo que podemos encontrar, es necesario conocer de dónde se ha tomado prestado el nombre para poder saber el trasfondo de éste proyecto.

En la revista Architectural Forum de Marzo de 1968 se publicó un artículo escrito por los arquitectos Estadounidenses Denise Scott Brown y su esposo Roberto Venturi. Este lleva por título “A Significance for A&P Parking Lots, or Learning from Las Vegas”.

No hace falta leer más allá de la primeras páginas para comprender que en dicho artículo se estudia de forma analítica el quehacer arquitectónico de la época y que se analiza a la corriente Modernista. Para sustentar lo dicho, se enfocan específicamente en una pequeña sección de no más de 7 km de longitud; Las Vegas Strip, ésta ruta turística que a partir de su creación y su propagación ha ocupado un lugar en nuestro imaginario.

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Mapa de Las Vegas Strip tomada del libro Learning From Las Vegas, 1972

Durante los siguientes tres años realizaron varios viajes de campo a Las Vegas, Nevada; tanto el dúo de arquitectos como un grupo de estudiantes de la Yale School of Arts And Architecture. Durante estos se reflexionó sobre la arquitectura, el imaginario y los símbolos de dicho lugar, el ejercicio terminó con la crítica del pensamiento de Le Corbusier y seguidores.

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Fotografías de Roberto Venturi y Denise Scott Brown en Las Vegas, 1968. Archivo de Venturi and Scott Brown.

Para el año de 1972 bajo el sello editorial del MIT, se publicó Learning From Las Vegas, un libro que dividió las opiniones de los arquitectos y de los estudiosos de la materia. Dicha obra está distribuida en dos partes; la primera es el artículo (ya antes mencionado) del ‘68 y la segunda lleva por título “Ugly and Ordinary Architecture, or the Decorated Shed” (La arquitectura fea y ordinaria, o la caja decorada).

Dicho ejercicio práctico y teórico sentó las bases para una propuesta Postmodernista, en donde se incorpora a la tarea del arquitecto el conocer y comprender el contexto circundante del lugar a trabajar: contemplando el ambiente social, natural, construído e histórico.

El ejemplo con el que nos mostraron ésto, es la comparación entre el pato y la caja decorada (“The Duck and the Decorated Shed”). El primero personifica a un edificio del movimiento Moderno, el cual es expresivo tanto en forma como en volumen. Mientras el segundo se basa en los símbolos y en el imaginario, justo como los arquitectos lo hacían en la Edad Media

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Ilustración tomada de Learning From Las Vegas, 1972.

Argumentaron que las construcciones que preceden al movimiento Moderno utilizaban la ornamentación en las fachadas para transmitir un significado, mientras que los modernistas pusieron su confianza en los elementos estructurales (o corporales) para emitir la significación. Es así que para los autores el movimiento liderado por Le Corbusier, es uno totalmente mudo y vacío.

En el Estudio 3.14 se han implementado una serie de prácticas de campo que se conciben desde el planteamiento de Venturi y Scott Brown. Estas nos ayudan a conocer, comprender y realizar mejor nuestro trabajo profesional de una manera razonada, en donde no solamente se sigue el instinto creador sino también el de la investigación.

Es así que se generan dentro del Estudio dos ejercicios que exploran la metodología de estos dos arquitectos estadounidenses; Learning From Tapalpa (2017) y Learning From Rancho (2017). Ambos proyectos se han nutrido de texturas, colores e historias que sin éstas prácticas no hubieran sido contempladas en nuestro deber con la arquitectura y su entorno.

 

 

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Equipo multidiciplinario del Estudio 3.14 trabajando en Learning From Rancho (2017).

 

La experiencia obtenida de ambos estudios serán publicadas en las siguientes ediciones del newsletter. Mientras tanto pueden revisar algunas de las fotografías que se tomaron en la cuenta de Instagram.

 

Gypsy Lara 

Patterns.

En castellano, patrón, refiere a una forma particular de cómo algo está organizado o en qué momento sucede, incluso para referirse al jefe, el dueño o el modelo a seguir. En diseño, refiere a un gráfico que busca darle textura a lo que podría ser liso o plano y que además se aplica en telas, tapices, materiales y acabados.

Pero ¿qué aporta el diseño de un patrón a un proyecto y cómo lo logramos.

A partir del proyecto Me Cabo, dejamos un poco de lado el simple hecho de escoger de un catálogo y trabajamos patrones personalizados. Resultó ser una forma efectiva de darle exclusividad a nuestro diseño.

Primero conceptualizamos la idea. Como inspiración tomamos todos los elementos posibles: experiencias, emociones, lugares, objetos, naturaleza, cultura, tradiciones, etc. y recreamos la experiencia del usuario en el espacio. Por medio de imágenes representamos todos esos elementos que engloban el “ecosistema”, desde lo más evidente y tradicional hasta lo más surreal y atrevido.

Aterrizado el concepto, lo demás fluye con naturalidad. Se crea un trazo y se definen los elementos que lo forman. En cuestión de técnica, trabajar con retícula es muy útil, ya que nos permite repetir, rotar y espejear las formas (aún siendo orgánicas) generando movimiento uniforme.

Finalmente definidos los trazos, la composición se trabaja de afuera hacia adentro, primero hacemos coincidir las orillas y terminamos en el centro. Algo que puede ser útil al momento de trabajar la composición, es darles color a las figuras antes para evitar que se sature.

Aunque pareciera que su función es meramente estética, un patrón también comunica, y crearlos es todo un reto de conceptualización, composición, equilibrio y color.

7 casos de grandes obras arquitectónicas en estado de deterioro

¿Cuántas vidas tiene una gran obra de arquitectura? La primera comienza cuando es construida y habitada, y se juzga por el impacto que tiene sobre la calidad de vida de sus habitantes. La segunda llega generaciones después cuando su relevancia se vuelve histórica y quizá su función inicial ya no se adapta a la sociedad que la rodea. El valor de este tipo de edificios reside en lo que nos comunican del pasado y por ello su conservación es necesaria.

Sin embargo, en Latinoamérica hay incontables casos de edificios con gran valor arquitectónico que se encuentran en estados lamentables de descuido y deterioro. Siete ejemplos a continuación:

1. Los Manantiales de Félix Candela Ciudad de México, México

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Este edificio construido en 1957 se ubica en Xochimilico, y es un espacio de gran significación cultural en la Ciudad de México debido a sus orígenes prehispánicos. El arquitecto Candela propuso un diseño que pudiera integrarse con los jardines al modo de un objeto flotante y a partir de su estructura similar a una flor de loto, formada por la intersección de 4 paraboloides hiperbólicos.

Actualmente sigue funcionando como restaurante y espacio de baile con grupo musical en vivo, sin embargo los espacios interiores y exteriores han visto mejores días. La humedad y el tiempo se reflejan en la pintura que cae a pedazos, mientras que los focos utilizados en la losa varían de tipos o no se reemplazan.

2. Parador Ariston de Marcel Breuer Mar de Plata, Argentina 

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Se ubica en el barrio de La Serena, en Mar del Plata, Argentina y fue diseñado por el arquitecto húngaro Marcel Breuer y construido en el año 1948. La intención detrás del proyecto fue contener reuniones sociales, bailes y cócteles, y se levantó en una planta elevada con formas curvas inspiradas en la imagen de un trébol, permitiendo un máximo acristalamiento e ingreso de luz solar.

Lamentablemente, el edificio se encuentra en ruinas y total abandono, a pesar de algunas iniciativas ciudadanas para recuperarlo. Los muros se encuentran graffiteados y las ventanas tapiadas con madera, estados que difícilmente podrán mejorar ya que el Parador Ariston no está protegido ni figura dentro del listado de bienes patrimoniales de la ciudad de Mar del Plata.

3. Edificio Copelec de Juan Borchers, Jesús Bermejo e Isidro Suárez Chillán, Chile 

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Declarado Monumento Histórico en 2007, este edificio de la ciudad de Chillán es considerado como una de las obras más importantes de la época. El edifico brutalista fue diseñado por la oficina de Juan Borchers, conformado por los arquitectos Juan Borchers, Jesús Bermejo e Isidro Suárez en 1962. Es una de las pocas obras construidas por Borchers (1910-1975) siendo, junto con la Casa Meneses, su obra más emblemática.

Aunque en 2013 corrieron rumores que anunciaban que el edificio se restauraría para ser convertido en Centro Cultural, actualmente mantiene su uso original como oficinas de su propietario, la Cooperativa Eléctrica de Chillán, estacionamientos, almacenes y talleres de bicicletas.

4. Casa Robles Castillo de Luis Barragán Guadalajara, México

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En 1926 el doctor Adolfo Robles León le encargó a un joven Luis Barragán su primer diseño para una casa habitación, y el resultado fue la Casa Robles Castillo ubicada en la colonia Americana de la ciudad de Guadalajara.

En tiempos recientes, el inmueble ha sido rentado para distintos fines comerciales, entre ellos un restaurante-bar, un local de Subway, y actualmente una taquería estilo Tesistán. Entre rentas, la casa sufría de abandono y graffiti, por lo cual aunque su cambio de vocación ha ocasionado debate, es sin duda preferible.

5. Club de Yates Santa Paula de Vilanova Artigas São Paulo, Brasil

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Este gran edificio de 1961 se define por una cubierta rectangular de una losa tripartita, con ocho pilares dispuestos simétricamente a ambos lados, apoyados directamente en los bloques de fundación sobre muros forrados de piedra. Un piso más alto da continuidad a la cota de la avenida y una planta baja que ocupa 2/3 del área de proyección de la cubierta, que se sitúa en la cota de nivel del lago, conformando un zócalo semi-enterrado envuelto por los muros de arrimo.

Aunque el edificio tiene un gran valor dentro de la arquitectura moderna brasileña, al dejar de utilizarse comenzó su deterioro y maltrato.

6. Ladera de la Misericordia de Lina Bo Bardi Pelourinho, Brasil

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Lina Bo Bardi fue una de las arquitectas más importantes y expresivas de la arquitectura brasileña del Siglo XX. El edificio Ladera de la Misericordia, construido en 1987, consta de un conjunto de cilindros de mortero armado que albergan un restaurante con un gran árbol creciendo en su centro, y luz inundando el espacio desde un techo abierto.

El edificio es un importante ejemplo de la unión armoniosa de arquitectura colonial con el movimiento modernista. Sin embargo, actualmente la Fundación Gregório de Mattos, dueña del edificio, lo tiene olvidado y descuidado con escombro en el suelo y postigos rotos.

7. Invernadero del Parque Quinta Normal Santiago, Chile

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El Invernadero del Parque Quinta Normal es un Monumento Nacional de Santiago que guarda una historia de 150 años. Según las estimaciones fue construido en 1866 e instalado en el parque en 1890 como un observatorio de plantas. Sin embargo, desde 1995 que no tiene un uso definido y permanece abandonado.

Si bien en 2014 hubo anuncios respecto de la restauración del lugar, no fue hasta abril del 2016 que el Consejo de Monumentos Nacionales aprobó la iniciativa presentada por la Municipalidad de Santiago. El proyecto de restauración se estará llevando a cabo este año.

Fuente: Archdaily

IV. Edificios para una ideología.

Universidad Laboral de Gijón

En España el régimen franquista también quiso tener un estilo arquitectónico reconocible y también quiso que ese estilo estuviese impregnado de neoclasicismo. Un ejemplo muy conocido es el Ministerio del Aire en Madrid, del arquitecto más prolífico en tiempos del régimen, Gutiérrez Soto. Pero he preferido traerles un edificio mucho menos conocido pero, para mí, más interesante. Es la Universidad Laboral de Gijón de Luis Moya.

En la década de los 40, tras un accidente minero en Asturias, el régimen franquista decidió crear un orfanato de acogida para niños cuyos padres habían sido víctimas de accidentes laborales. En ese orfanato se debía formar a los niños y, por tanto, debía contar con todas las dependencias necesarias para la enseñanza (escuela, talleres, residencia, instalaciones deportivas, iglesia -no olvidemos en qué época estamos-, teatro… etc). Posteriormente, una vez iniciada su construcción, se decidió añadirle una parte de formación laboral para cuando esos niños se convirtiesen en jóvenes. Así se acabó creando la Universidad Laboral de Gijón.

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Como vemos se trata de un complejo edificado, más que de un edificio en sí, pero el objetivo del arquitecto es dar una imagen unitaria y completa. Huye de la fragmentación del programa en varios edificios que dialoguen entre sí, enfrentándose a la difícil tarea de articular una unidad compuesta de muchas partes. La articulación de dichas partes se realiza mediante la disposición de patios, a modo de El Escorial, destacando el patio principal donde se encuentran el Teatro y la Iglesia.

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La Iglesia, con su geometría elíptica, tiene una posición predominante dentro del complejo, no solo por su disposición central en la composición del edificio sino también por su posición como remate del eje de la plaza principal. La composición de las fachadas dota al conjunto de la pretendida unidad arquitectónica.

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Con la caída del régimen y la llegada de la democracia el complejo pasó a ser un instituto de enseñanza secundaria y tras ser prácticamente abandonado se acometió su rehabilitación siendo hoy en día un lugar que acoge una gran cantidad de ofertas culturales.