Escenografía pública y encuentro social

Se diseñó la Plaza de las Quinceañeras para generar un sitio abierto a la comunidad, y para convertir la actual Glorieta de la Estampida en un espacio público incluyente, accesible y un exitoso atractivo del que todos puedan disfrutar, para esto se consideraron una variedad de factores que nos ayudaran a cumplir con el objetivo:

El primero consistió en tomar en cuenta a los actuales usuarios de la famosa glorieta de “los caballos”, que después de analizarlo, nos dimos cuenta que es un espacio utilizado principalmente por quinceañeras y parejas de novios como escenografía de las fotos de sus eventos y por lo que se decidió convertir a la nueva “Plaza de las quinceañeras”, de esta manera se podría brindar una mejor función a la plaza en cuanto a comodidad, seguridad y atracción, brindándole al proyecto de un espacio icónico en Guadalajara una identidad especial de la cultura mexicana, además de generar un gran interés entre mexicanos, latinos y estadounidenses al ser la primera plaza en el mundo dedicada especialmente a las bellas quinceañeras, en plasmar la tradición de la fiesta conmemorativa permanentemente y al convertirse en un punto de encuentro para personas de diferentes culturas y clases sociales, con un interés en común.

Sin embargo, la plaza como un espacio público, no es exclusivo para quinceañeras por lo que se pensó en seccionar en 4 áreas para el disfrute general; Uno de los aspectos más importantes es la vegetación y las áreas verdes, por lo que la actual zona del monumento de la estampida se llenará de flores y se convertirá en una hermosa área de jardín para crear un escenario natural en el corazón de la ciudad.

Otra sección de la nueva plaza será un nuevo punto de reunión, con accesos planeados alrededor de la glorieta, en donde las vialidades se tranquilicen y prioricen al peatón en el proyecto, para que el peatón pueda usar de manera efectiva el espacio de descanso y el mobiliario urbano como bancas, mesas, basureros y luminarias necesarios para un espacio público de descanso y calidad, además de áreas para ejercicios y juegos infantiles en donde podamos aumentar el tiempo de visita de un usuario en el espacio.

La organización del espacio es un importante determinante de nuestras experiencias por cómo nos relacionamos con nuestros alrededores. Por lo tanto, es necesario diseñar espacios públicos que sean incluyentes para que todos los que forman parte de la sociedad puedan acudir a ellos y de esta manera lograr tener inclusión social.

La Plaza de las Quinceañeras combina aspectos de la cultura mexicana y la arquitectura para crear un espacio público único en todo el mundo. De esta manera se busca que el sitio sea un factor de unión en la sociedad y de esta manera generar un proyecto que promueva un urbanismo más justo en el país.

Este es solo un paso en la dirección correcta para que poco a poco se pueda ir logrando mayores espacios de cohesión social y que de esta manera el diseño urbano de México sea caracterizado por ser social e integrado.

Las 10 obras más impresionantes de Zaha Hadid

“Ahora vemos más mujeres arquitectas establecidas”, dijo Zaha Hadid al obtener el premio que la convirtió en la primera mujer en recibir la Medalla de Oro del Instituto Real de Arquitectos Británicos en reconocimiento a su trabajo.

Entre los premios más destacados que Hadid recibió a lo largo de su carrera están el Mies van der Rohe (2003), el Premio Pritzker en el 2004 (la primera mujer que consiguió este galardón) y el Praemium Imperiale (2009).

El 31 de marzo de este año, la arquitecta iraquí murió en Miami, Florida, a la edad de 65 años a causa de un ataque cardíaco mientras era tratada por una bronquitis.

Partió una estrella de la arquitectura mundial, pero nos deja un legado de belleza con sus imponentes y emblemáticas obras que se extienden desde Hong Kong hasta Londres.

Te presentamos las 10 obras arquitectónicas más impresionantes de Hadid. Un trabajo digno de admirar:

1.   Wangjing SOHO

Wangjing SOHO

El Wangjing SOHO es conjunto multifuncional que alberga oficinas y locales comerciales está ubicado en el subdistrito de Wangjing, un centro de tecnología para empresas como Panasonic o Telecom en Beijing, China. Rodeado por 60.000 metros cuadrados de jardines, Wangjing Soho se compone de tres torres cuya forma sugiere la de una colina —la más alta de las cuales mide 200 metros— y de otros tres cuerpos más bajos que confieren continuidad al conjunto.

2.   Guangzhou Opera House

Gangzhou opera house

Con vistas al río de la Perla, el Guangzhou Opera House es un moderno auditorio ubicado en el centro de Guangzhou, al sur de la República Popular China. Cuenta con tecnología de vanguardia en su diseño. Una estructura de acero, vidrio y granito que tardó cinco años en construirse. Tiene capacidad para 1.804 personas y se convirtió en un monumento del nuevo milenio.

3.   Centro Cultural Heydar Aliyev

Centro Cultural Heydar Aliyev

Obra que le permitió a Hadid obtener el premio Design of the Year 2014. El diseño del Centro de Heydar Aliyev establece una relación continua y fluida entre su plaza circundante y el interior del edificio. Elaborando formaciones tales como ondulaciones, bifurcaciones, pliegues e inflexiones, modifica esta superficie de la plaza en un paisaje arquitectónico que lleva a cabo una multitud de funciones: la bienvenida, el cobijo, y la dirección a los visitantes a través de diferentes niveles del interior.

4.   Museo Riverside de Glasgow

Museo Riverside de Glasgow

Zaha Hadid ganó este concurso público para construir un nuevo Museo del Transporte compitiendo con arquitectos tan destacados como Norman Foster, Richard Rogers o Daniel Libeskind. Este edificio, que sustituyó al antiguo museo del transporte, era necesario, ya que la popular colección del museo necesitaba un espacio apropiado para guardar sus amplios archivos y ofrecer un espacio expositivo acorde a la nueva época. La obra del Riverside Museum finalizó el 20 de junio de 2011, en el Pointhouse Quay, en Glasgow, Escocia.

5.   Centro Acuático de Londres

Centro acuático de londres

El concepto arquitectónico de esta obra esta inspirado por el agua en movimiento, creando espacios en un ambiente alrededor que reflejen los paisajes de la costa del Parque Olímpico. El Centro Acuático de Londres, más conocido en el Reino Unido como London Aquatics Centre (LAC) fue la sede de los Juegos Olímpicos de Londres 2012. Se abrió para uso público desde el mes de marzo de 2014.

6.   Puente Sheik Zayed

Sheikh Zayed Bridge

El Sheikh Zayed Bridge fue el segundo puente diseñado por Zaha Hadid. En realidad, el primero si consideramos que el Pabellón Puente de Zaragoza se creó más para recorrer su interior que para llegar a la otra orilla. Esta obra ubicada en Abu Dhabi, capital de los Emiratos Árabes Unido, fue construida en 2010 con un presupuesto de USD 300 millones. Su diseño curvo evoca a las onduladas dunas del desierto.

7.   Pabellón Puente

Bridge Pavillion

El Bridge Pavilion es un innovador edificio horizontal que fungió como entrada principal de la Exposición Internacional dedicada al Agua que se celebró en Zaragoza en el verano de 2008. Cabe destacar el método de construcción, ya que la estructura se construyó en tierra firme para, una vez completada, desplazarla a su ubicación final. Esto significa desplazar una estructura de 140 metros sin emplear ningún apoyo intermedio.

8.   Estación Congress

Congress station

Congress Station es la a primera estación de ferrocarril diseñada por Zaha Hadid en Innsbruck, Austria. Cumpliendo con los más altos estándares de arquitectura y explorando los límites del diseño y la tecnología en lo que a construcción respecta. Esta estación se ha convertido en punto de referencia mundial del diseño urbano.

9.   Torre de innovación Jockey Club

Jockey Club Innovation Tower

El edificio Jockey Club Innovation Tower (JCIT) es el hogar de la Universidad Politécnica de Hong Kong (PolyU), de la Escuela de Diseño y del Instituto de Diseño de Jockey Club para la Innovación Social. La obra fue finalizada en 2013, siendo cuatro años el tiempo necesario para su construcción.

10.   BMW Central Building

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El BMW Central Building está ubicado en Leipzig, Alemania, y es la sede central de la marca automotriz. Fue abierto en el 2005 y se contruyó con un presupuesto de USD 60 millones. El proyecto de Hadid resultó de una competición en la que participaron un total de 24 propuestas. En 2005 recibió el German Architectural Award, uno de los galardones más prestigiosos de la arquitectura alemana.

Instagram como parte del proceso de diseño

Hoy por hoy, los números son muy importantes, son una expresión exacta de lo que somos, de cómo nos medimos, y con 700 millones de usuarios activos al mes, tenemos claro que Instagram, es parte de nuestra realidad.

Todos conocemos Instagram. Es una app, en nuestras manos, nos muestra imágenes, es parte de nuestro lenguaje.

No creo que Instagram se trate de noticias, es influencia, es espacio, es una biblioteca escolar, es un spa; Instagram es superficial, como un elogio, que vuelve hermosa la superficialidad cuando la ligereza surge juzgando visualmente. Instagram es síntesis, es arte. Es el momento cuando te enteras que no eres original, o cuando entiendes que hay alguien mejor que tú.

Instagram es diseño de alta velocidad.

Es como pensar, pensar en imágenes, como Aby Warburg en formato cuadrado. Instagram es sobre el conocimiento.

Instagram es fácil cuando no te interesa.

Instagram requiere compromiso, para formar parte del proceso de diseño, en ese momento que dura un poco más de un segundo, que nos define a mirar hacia el futuro, Instagram es sólo una derogación temporal de las polaridades de la mente, es la puerta al mundo, para un arquitecto, la puerta al público.

Instagram se trata de rendirse ¿Qué mejor que presentar tu arquitectura a través de los ojos del público? Implica una actitud clara ante la relación entre arquitectos y usuarios.

Instagram es un proyecto, en el que puedes ver al pasado, abrir las ventanas al futuro, y entender el proceso de diseño.

Espejos de sal y cielo

El fotógrafo Murray Frederick tiene una relación profundamente personal con el lago Eyre – el lago de sal más grande en su Australia natal. En 2001, durante su primera visita al sitio, Frederick se alejó de su campamento una noche. Al encontrarse solo en la oscuridad, experimentó una sensación desconocida y de gran alcance con la calma – una liberación de las preocupaciones de la vida cotidiana.

Desde entonces, Frederick ha tomado casi dos docenas de viajes al lago, que documenta el vasto y aparente paisaje infinito. Frederick ve la tierra como un medio en sí mismo, que tiene el potencial de transmitir los aspectos sentimentales de su conexión con el lugar.

espejo 18, 2017 Fredericks © murray

A partir del 14 de junio la galería hamiltons en Londres presenta una exposición del trabajo más reciente de Murray Frederick realizado en el lago Eyre, en el que un espejo interactúa en el paisaje libremente sin ser interrumpido. Todas las fotografías de la serie ‘vanity’ se componen de un horizonte ininterrumpido en el tercio inferior del bastidor, destacando la interminable extensión del paisaje. Acompañado por un gran espejo, el fotógrafo viajó a la mitad del lago, donde una pulgada de agua cargada de sal refleja el cielo.

El espejo puede ser visto como un emblema de nuestra obsesión con nosotros mismos, de forma individual, como colectivamente,’ dice Frederick. ‘en ‘vanity’, en lugar de reflejar nuestra propia ‘superficie’ de la imagen, el espejo está posicionado para atraer nuestra mirada hacia fuera y lejos de nosotros mismos, en el medio ambiente, nos conduce hacia un compromiso emocional con la luz, el color y el espacio.’

espejo 13, 2017 Fredericks © murray

Las imágenes resultantes son sublimes – infinitas variaciones de color, las nubes, el cielo y la sal, la luz y el paisaje, se unen en un solo cuadro. Mientras que el simbolismo de un espejo conduce al narcisismo y la vanidad, la serie busca rechazar estos sentimientos y se centran en el poder y la importancia de la naturaleza, donde los espejos actúan como un portal a algo más allá.

‘En estas imágenes que encuentro mi propia, imperfecta, búsqueda de un tipo de perfección,’ Fredericks continúa. ‘tal vez es una búsqueda impulsada por mis propias ansiedades o vano intento de escapar de la condición humana. de pie en el agua de seda, rodeada solamente por un horizonte sin límites, tengo la sensación de un comunicado, la rendición como el yo se disuelve en la luz y el espacio ‘.

espejo 6, 2017 Fredericks © murray

espejo 12, 2017 Fredericks © murray

espejo 11, 2017 Fredericks © murray

Taller de diseño participativo

El próximo martes 18 de Julio, en colaboración con la dirección de participación ciudadana y la oficina de proyectos estratégicos, en Estudio 3.14 realizaremos el “Segundo taller de diseño participativo. Plaza estación basílica”, mediante el cual buscamos generar propuestas participativas a través de un diálogo multidisciplinario y constante con los ciudadanos para proponer soluciones creativas en el diseño de la nueva Plaza Estación Basílica.

En su primera etapa se convocaron vecinos de 5 colonias: Zapopan centro, San Miguel de la colina, jacarandas, agraria y loma blanca, en esta segunda etapa invitaremos a participar a vecinos de la colonia Altamira para enriquecer el diseño de propuestas, el análisis de la información recabada y el diagnóstico del sitio.

Este taller concibe en el proceso creativo un acercamiento con las colonias favorecidas por el proyecto “Plaza estación basílica” para indagar las necesidades esenciales en un espacio determinado.

Una de las metas del taller es la de encontrar aquellos puntos en común en los cuales los vecinos de cada colonia estén de acuerdo y usar estos momentos como catalizadores de diálogo y generadores de alianzas y momentos de colaboración entre ellos. Buscamos sobretodo, originar respuestas acordes a la realidad social, cultural y económica de cada colonia que puedan ser articuladas, gestionadas e implementadas en el diseño de este nuevo espacio público tan importante para el centro de Zapopan.

Imparte: Arq. Noé Rodríguez

Taller de dieño Participativo 13 julio INFORGRAFÍA

¿Creatividad e Innovación?: El design thinking lo hace posible

Estamos junto con nuestro entorno en una evolución constante, en la que todo el tiempo se presentan desafíos, problemas, oportunidades y soluciones. Ante esta situación, hemos aprendido a valernos del trabajo en equipo como una herramienta que rompe la individualidad y genera soluciones íntegras en conjunto.

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Este trabajo en equipo consiste en un pequeño número de personas con conocimientos complementarios, comprometidas con un propósito común y un método definido; por lo que es una gran oportunidad para compartir conocimientos, aprender, descubrir, generar soluciones, resolver retos y sobre todo adquirir sentido de responsabilidad en una comunidad.

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Según la RAE un equipo interdisciplinario está conformado por un grupo de personas de una amplia gama de disciplinas, que trabajan juntas para resolver un mismo problema unificando criterios. A medida que se trabaja en un equipo interdisciplinario, se van creando y aplicando nuevos conocimientos y se llega a una convergencia que se traduce en resultados positivos.

En un equipo interdisciplinario, la creatividad se convierte en un factor fundamental que puede dar paso a la innovación, para el desarrollo de algo que es transferido y utilizado exitosamente por la sociedad. Estos proyectos deben estar sujetos a una base y pensamiento sólido y estratégico para plantear un problema, los objetivos e incluso la metodología a seguir.

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El design thinking como metodología, está siendo cada vez más utilizada en grandes empresas por ser una forma de enfrentar y resolver los problemas mediante la sensibilidad, la observación, la exploración y la transformación del conocimiento en prototipos que permiten a los diseñadores perfeccionar la solución con la que enfrentan los problemas de diseño.

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Pero, emplear el design thinking es aprender y utilizar la metodología para innovar y poner a los usuarios como beneficiarios principales de toda acción o solución, ya que se puede emplear en modelos de negocio, estrategias, proyectos, productos o servicios que se puedan mejorar o que mejoren la vida de las personas que los usamos.

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Poniendo como caso de ejemplo el desarrollo de una comunidad o un hotel, en donde se necesitan de diversas disciplinas para colaborar en crear, aplicar y compartir distintas perspectivas, es fundamental tomar en cuenta a personas que estén involucradas en la práctica o en la vivencia del lugar, en la rutina y el mantenimiento, escuchando sus necesidades y resolviendo las problemáticas cotidianas para que nos permitan llegar a un resultado óptimo y claro, que sea satisfactorio y positivo.

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Albert Einstein decía: “Si buscas resultados distintos, no hagas siempre lo mismo”. Entonces, para lograr proyectos exitosos, podemos empezar a buscar un pensamiento estratégico con apoyo de una metodología que pueda aportar mucho a la innovación y el progreso, y sobre todo animarnos a resolver los proyectos de la mano de un equipo interdisciplinario que pueda dar la mejor y más efectiva solución.

III. Cómics y Arquitectura

Archigram

Archigram (1961-1974) fue un grupo enmarcado en el anti diseño, era futurista, anti heroico y pro-consumista formado por seis jóvenes de muy diferentes perfiles: Warren Chalk, Peter Cook, Dennis Crompton, David Greene, Ron Herron y Michael Webb, que se inspiraban en la tecnología para crear una nueva realidad que fuera expresada solamente a través de proyectos hipotéticos.

El grupo arrancó en 1961 con un magazine precario y experimental llamado “Archigram” (Arquitecture + Telegram) que se entregaba en mano a los estudiantes de arquitectura de Londres por nueve peniques y que en él daban rienda suelta a ideas, conceptos y proyectos utópicos con un discurso inspirado en el pop, el hipismo, con las cúpulas geodésicas de Buckminster Fuller, las ferias ambulantes, los cómics, el mecano, la carrera espacial o las películas de ciencia ficción.

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Los 9 números que publicaron mezclaban el cómic y la arquitectura en un collage caótico y muy divertido que recuerdan las ilustraciones de los Beatles o Monty Python, atacaban el conservadurismo de los arquitectos británicos de la época y ofrecían visiones seductoras de una glamorosa era futura de las máquinas dejando de lado los temas sociales y ambientales.

En 1963 el Institute of Contemporary Arts de Londres invitó al grupo a montar la exposición Living City que se convirtió en un manifiesto, en la concepción de la ciudad como un organismo único más que en una colección de edificios, dejando a la vista que las personas se sirven de la arquitectura para decidir cómo vivir sus vidas y no al revés y convirtiendo a la arquitectura como un estado efímero móvil que tomaba el comportamiento y la información como material bruto con el que diseñar ciudades igual que el acero, el cristal o el hormigón.

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El proyecto de Peter Cook Plug in city sugiere una hipotética ciudad de fantasía, que contiene unidades residenciales modulares que se conectan a una máquina central, y que se puede considerar una mega estructura en constante evolución que incorpora residencias, transporte y otros servicios esenciales, todo transportable mediante grúas gigantes.

La insatisfacción con el status quo empujó la experimentación arquitectónica colectiva a soñar con escenarios urbanos alternativos, que se elevan sobre la cara del formalismo superficial y las tendencias suburbanas aburridas y comunes del modernismo británico de la época y sugiere, sobre todo, una liberación de la respuesta modernista de los suburbios además de un nuevo estilo de vida nómada.

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Casi en paralelo se promueve The walking city de Ron Herron que daba continuidad al sentido dinámico y tecnológico pero mucho más utópico al proponer ciudades nómadas que, contenidas en grandes estructuras, pudieran moverse por todo el mundo según las necesidades de sus habitantes en cuanto a clima o recursos, dando incluso la oportunidad de asociarse entre ellas y creando grandes metrópolis móviles, definitivamente un concepto extremo e irrealizable pero que podía intuir características de nuestra actual vida globalizada.

La forma derivó de una combinación de insecto y máquina haciendo una interpretación literal del aforismo de Le Corbusier de la casa como una máquina habitable. El contexto era percibido como un futuro mundo en ruinas después de una gran guerra nuclear.

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Archigram, concebía la tecnología y su capacidad automatizadora como un medio para liberar a las personas de cargas tediosas. Con un espíritu provocador y revolucionario, consiguieron remover conciencias justo en un momento en el que la arquitectura volvía a academizarse, con gráficos y diseños que pretendían acercarse a un mundo aún desconocido, superar límites con proyectos que por extremos no han llegado a realizarse pero con ideas soñadoras que consiguen inspirar en gran medida el pensamiento y la producción arquitectónica hasta nuestros días considerándolos uno de los grupos más inspiradores e influyentes de la arquitectura moderna. Hoy se pueden palpar las visiones de Archigram en los móviles, los vehículos conectados, las arquitecturas responsivas y el crecimiento del nomadismo.

Abstract: El arte del diseño

El salto tecnológico que nuestra sociedad ha sufrido en los primeros años del siglo XXI resulta absolutamente irrefutable. Nuestra forma de vida se ha transformado completamente, el mundo digital ha desterrado al analógico tras una acelerada transición y nuestras relaciones sociales y entornos han evolucionado hacia una nueva forma de percibir la realidad. A su vez, las comunicaciones globales y la expresión del arte se han transformado, mientras que el diseño ha acompañado continuamente esta metamorfosis aportando desde hace décadas nuevos conceptos o líneas artísticas que –en ocasiones- pasan aparentemente desapercibidas sin que seamos tan siquiera conscientes de ello, convirtiéndose sencillamente en un elemento más de nuestros entornos que damos por sentado.

Good design is obvious. Great design is transparent (Un buen diseño es obvio. Un gran diseño es transparente.); es una frase que leí hace un tiempo y parece ajustarse a la perfección a lo que Abstract: El arte del diseño (Abstract: The Art of Design, 2017) quiere mostrarnos. Morgan Neville dirige esta serie documental de Netflix que se adentra en los estudios y vidas creativas de diseñadores de éxito para acercar al gran público el esfuerzo y experiencia detrás de diseños cuya sencillez o madurez suelen obnubilar nuestra percepción del trabajo que los sustentan, haciéndonos olvidar que detrás de ellos existe formación, esfuerzo y gran porción de creatividad.

La serie utiliza sus ocho capítulos para darnos a conocer el proceso creativo de ocho diseñadores de diversos campos, desgranando sus aspiraciones y fuentes de inspiración, así como ilustrando el modo en que sus obras repercuten directamente en el entorno en el que han sido concebidas. Abstract es, según palabras de su propio creador Scott Daddichuna serie documental sobre la creatividad, sobre diseñadores visionarios que dan forma al mundo que nos rodea; desde la arquitectura a la ilustración, los coches o las tipografías.

Tras un proceso de desarrollo y producción de dos años, la puesta en escena del conjunto de los episodios resulta un singular y ameno ejemplo de diseño cargado de colorido y originalidad. Aunque cada episodio sea plenamente autosuficiente por separado, el proyecto narrativo y audiovisual de todos se ha construido de forma similar, lo cual aporta una mayor cohesión al conjunto, a pesar de que algunos resulten menos excitantes que otros. Por lo general, cada capítulo trata de estructurarse en la presentación del artista y su obra, su proceso formativo, evolución su trabajo e impacto en la sociedad, a la vez que les acompañamos en el desarrollo de un encargo concreto para conocer más detalles sobre su abstracción hacia elementos básicos que puedan permitirles escalonar su obra hasta generar la forma, el mensaje o sentimiento que requiere, salvando obstáculos gracias a la potenciación de su inventiva y el apoyo de grandes equipos de profesionales en muchos casos.

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Aunque utilice líneas argumentales paralelas, la serie consigue destacar los fundamentos de cada uno de los artistas; el minimalismo o la reducción de ideas a ligeros trazos resulta esencial para Niemann, mientras que para Tinker Hatfield plasman la esencia de una estrella del baloncesto en un diseño deportivo es imprescindible.

Por otro lado, el documental cambia hábilmente su perspectiva para mostrarnos cómo Es Devlin, Bjarke Ingels Ilse Crawford (diseñadora de interiores) deben jugar con el espacio tridimensional para aportar nuevas sensaciones a las personas que perciben sus obras; unas efímeras como los escenarios diseñados por Devlin para magnificar la experiencia de los espectadores en teatros o conciertos, otras imperecederas como los edificios de corte naturalista diseñados por Ingels, y otras con el propósito de estimular tus sentidos para reconfortarte al habitar un espacio, como es el caso de los interiores de Crawford.

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En otro de sus episodios Ralph Gilles (diseñador de automóviles) nos abre las puertas de una de las industrias más potentes de la historia para hablarnos de cómo sus diseños deben anticiparse al avance de la sociedad, esbozando los coches del futuro. Otros cuarenta minutos son dedicados a Paula Scher, quien se encarga de hablarnos del diseño gráfico centrando especialmente nuestra atención en la importancia de la tipografía y las formas para definir marcas, lugares o eventos, en busca de iconos eternos. Conceptos distintos de los que busca potenciar Platon (fotógrafo) al dedicar su vida a crear vínculos entre los personajes más poderosos del mundo y las personas de a pie a través de sus poderosos retratos, en los que posturas y miradas definen a la perfección carácter y sentimiento, o provocan fácilmente empatía en los que observan sus obras.

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La Historia como herramienta para el Diseño

A través del tiempo, la arquitectura ha sido una disciplina que se ha desarrollado bajo la justificación de ciertos criterios para la proyección y ejecución de sus obras. Algunos criterios podrían ser considerados como contextos sociales, históricos y ambientales. Si bien la arquitectura debe justificarse y apegarse a estos contextos, no siempre se tendrá la garantía de que un proyecto será exitoso en sus diferentes ámbitos.

Las diferentes herramientas que la vida nos da como inspiración para hacer arquitectura son bastas. Pero, hay una que por su género y escala de proyectos, se caracteriza por dejarnos (en su mayoría) obras de excelente calidad espacial y funcional, que además se apegan a las bases por las cuales fue proyectado. Esta herramienta es “La Historia”.

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La historia como herramienta para el Diseño, puede abarcar cualquier acontecimiento, ya sea de escala regional, nacional o hasta internacional. La cantidad de información que rodea los acontecimientos históricos, brindan al arquitecto un exceso de ideas para aterrizar un buen proyecto, que transmita de manera directa o mediante abstracciones, aquel acontecimiento o época que la arquitectura quiere representar.

Analicemos 3 ejemplos. El primero, obra del arquitecto soviético Konstantin Melnikov, el Pabellón de la URSS para la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industrias Modernas en París en 1925. Este pabellón rompió con toda expectativa del público de la Exposición Internacional, Melnikov con su estilo constructivista quiso representar los nuevos ideales y valores revolucionaros soviéticos dejando a un lado la arquitectura de ornamentos que podría representar al imperio Ruso. El constructivismo era funcional y se enfocaba para ser la arquitectura de la clase social del proletariado.

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El segundo ejemplo, “The Crystal Palace” diseñado por Joseph Paxton y construido en 1851, albergó la Gran Exposición Mundial en Londres. El palacio de cristal se destacaba por su estructura en acero y sus paredes de cristal, cuyo diseño buscaba reflejar el avance industrial y comercial de la economía liberal capitalista, haciendo referencia a la revolución industrial. Su escala de tamaño considerable reflejaba el poder e importancia de Inglaterra, pero en su materialidad demostraba la industrialización avanzada del país, además de los avances tecnológicos y económicos.

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El tercer y último ejemplo, “El monumento a los judíos de Europa asesinados” diseñado por Peter Eisenman y Buro Happold. Un campo de 19,000 m2 inmersos en una retícula cuadriculada donde se encuentran 2711 volúmenes de hormigón con diferentes dimensiones. Según Eisenman, las estelas están diseñadas para producir una atmósfera incómoda y confusa. Quizá uno de los mejores proyectos que usa la historia para a través de la arquitectura reflejar sensaciones de tristeza e incomodidad, que nos atrapa y nos hace recordar uno de los peores acontecimientos históricos de la humanidad, “El Holocausto”.

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Podemos recalcar que la historia puede usarse como herramienta para la proyección de diferentes géneros arquitectónicos, desde una pequeña casa hasta un monumental memorial. La percepción que causa la arquitectura basada en historia también trabaja de diferentes maneras según la escala, puede afectar desde 1 sola persona hasta a miles y con diferentes sensaciones.

Una arquitectura bien cimentada en cuanto a su investigación histórica y que sirve como buena fuente de inspiración para crear espacios que evocan diferentes sensaciones, es una arquitectura que ha sido bien lograda y que pone el ejemplo para las siguientes generaciones de arquitectos que buscan referencias para futuros proyectos.

¿Cómo debemos vivir?

En los años 30 cuando se estableció el Departamento de Arquitectura y Diseño del Museo de Arte Moderno en Nueva York, los curadores del museo, guiados por la creencia que el poder del diseño puede cambiar nuestras experiencias y percepciones de la vida diaria, se enfocaron en la pregunta “¿Cómo debemos vivir?” cómo una de las cuestiones vitales en el diseño contemporáneo.

Esta exhibición en el MoMA que lleva el mismo nombre que este boletín, estuvo expuesta desde Octubre del 2016 hasta el pasado mes de Mayo. “¿Cómo debemos vivir?” exploró los procesos, materiales y colaboraciones que dieron forma al interior modernista. La exhibición contó con más de 200 piezas expuestas, como dibujos e impresiones, pintura y escultura, fotografía y películas.

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Enfocándose en entornos específicos, la exhibición mostraba el diseño de interiores domésticos, recreaciones de exhibiciones famosas y diseño de espacios comerciales. Todos estos trabajos fueron una recolección hecha desde los años 20s hasta los años 50s.

Las diferentes piezas van desde un carrito para té diseñado por Alvar y Aino Aalto, la “Frankfurt Kitchen” de Grete Lihotzky, algunas sillas de Ray y Charles Eames, hasta el estudio/habitación de Charlotte Perriand para el “Maison du Brésil”. Concentrándose no solo en los espacios habitables cotidianos, la exhibición contenía también mobiliario textil, posters y láminas de concursos, elementos de exhibiciones temporales y de exhibiciones promocionales.

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La exhibición, más que concentrarse solamente en obras maestras aisladas, pone su atención en la síntesis de la correlación que hay en el diseño de un objeto con su entorno, así como la conexión con factores y actitudes externas, como elementos sociales, tecnológicos y políticos.

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El análisis de cada elemento exhibido siempre tiene que ir más allá de analizarlo como un simple objeto expuesto para conocer de él. Se tiene que analizar su función, su materialidad, su aportación para el entorno para el cual fue diseñado y los contextos que llevaron a crear dicho objeto.

 El cómo debemos vivir se basa en la idea que la aportación del diseño a nuestro entorno de vida diaria, no se debe regir por la regla de la estética, sí no por la funcionalidad y la justificación de los elementos que rodean nuestra manera de vivir. Debemos analizar si nuestra vida diaria está conformada con elementos con los que de verdad deberíamos de vivir, sin ser imprescindibles pero que al mismo tiempo marquen algo dentro de nuestra cotidianeidad.

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