Abstract: El arte del diseño

El salto tecnológico que nuestra sociedad ha sufrido en los primeros años del siglo XXI resulta absolutamente irrefutable. Nuestra forma de vida se ha transformado completamente, el mundo digital ha desterrado al analógico tras una acelerada transición y nuestras relaciones sociales y entornos han evolucionado hacia una nueva forma de percibir la realidad. A su vez, las comunicaciones globales y la expresión del arte se han transformado, mientras que el diseño ha acompañado continuamente esta metamorfosis aportando desde hace décadas nuevos conceptos o líneas artísticas que –en ocasiones- pasan aparentemente desapercibidas sin que seamos tan siquiera conscientes de ello, convirtiéndose sencillamente en un elemento más de nuestros entornos que damos por sentado.

Good design is obvious. Great design is transparent (Un buen diseño es obvio. Un gran diseño es transparente.); es una frase que leí hace un tiempo y parece ajustarse a la perfección a lo que Abstract: El arte del diseño (Abstract: The Art of Design, 2017) quiere mostrarnos. Morgan Neville dirige esta serie documental de Netflix que se adentra en los estudios y vidas creativas de diseñadores de éxito para acercar al gran público el esfuerzo y experiencia detrás de diseños cuya sencillez o madurez suelen obnubilar nuestra percepción del trabajo que los sustentan, haciéndonos olvidar que detrás de ellos existe formación, esfuerzo y gran porción de creatividad.

La serie utiliza sus ocho capítulos para darnos a conocer el proceso creativo de ocho diseñadores de diversos campos, desgranando sus aspiraciones y fuentes de inspiración, así como ilustrando el modo en que sus obras repercuten directamente en el entorno en el que han sido concebidas. Abstract es, según palabras de su propio creador Scott Daddichuna serie documental sobre la creatividad, sobre diseñadores visionarios que dan forma al mundo que nos rodea; desde la arquitectura a la ilustración, los coches o las tipografías.

Tras un proceso de desarrollo y producción de dos años, la puesta en escena del conjunto de los episodios resulta un singular y ameno ejemplo de diseño cargado de colorido y originalidad. Aunque cada episodio sea plenamente autosuficiente por separado, el proyecto narrativo y audiovisual de todos se ha construido de forma similar, lo cual aporta una mayor cohesión al conjunto, a pesar de que algunos resulten menos excitantes que otros. Por lo general, cada capítulo trata de estructurarse en la presentación del artista y su obra, su proceso formativo, evolución su trabajo e impacto en la sociedad, a la vez que les acompañamos en el desarrollo de un encargo concreto para conocer más detalles sobre su abstracción hacia elementos básicos que puedan permitirles escalonar su obra hasta generar la forma, el mensaje o sentimiento que requiere, salvando obstáculos gracias a la potenciación de su inventiva y el apoyo de grandes equipos de profesionales en muchos casos.

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Aunque utilice líneas argumentales paralelas, la serie consigue destacar los fundamentos de cada uno de los artistas; el minimalismo o la reducción de ideas a ligeros trazos resulta esencial para Niemann, mientras que para Tinker Hatfield plasman la esencia de una estrella del baloncesto en un diseño deportivo es imprescindible.

Por otro lado, el documental cambia hábilmente su perspectiva para mostrarnos cómo Es Devlin, Bjarke Ingels Ilse Crawford (diseñadora de interiores) deben jugar con el espacio tridimensional para aportar nuevas sensaciones a las personas que perciben sus obras; unas efímeras como los escenarios diseñados por Devlin para magnificar la experiencia de los espectadores en teatros o conciertos, otras imperecederas como los edificios de corte naturalista diseñados por Ingels, y otras con el propósito de estimular tus sentidos para reconfortarte al habitar un espacio, como es el caso de los interiores de Crawford.

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En otro de sus episodios Ralph Gilles (diseñador de automóviles) nos abre las puertas de una de las industrias más potentes de la historia para hablarnos de cómo sus diseños deben anticiparse al avance de la sociedad, esbozando los coches del futuro. Otros cuarenta minutos son dedicados a Paula Scher, quien se encarga de hablarnos del diseño gráfico centrando especialmente nuestra atención en la importancia de la tipografía y las formas para definir marcas, lugares o eventos, en busca de iconos eternos. Conceptos distintos de los que busca potenciar Platon (fotógrafo) al dedicar su vida a crear vínculos entre los personajes más poderosos del mundo y las personas de a pie a través de sus poderosos retratos, en los que posturas y miradas definen a la perfección carácter y sentimiento, o provocan fácilmente empatía en los que observan sus obras.

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La Historia como herramienta para el Diseño

A través del tiempo, la arquitectura ha sido una disciplina que se ha desarrollado bajo la justificación de ciertos criterios para la proyección y ejecución de sus obras. Algunos criterios podrían ser considerados como contextos sociales, históricos y ambientales. Si bien la arquitectura debe justificarse y apegarse a estos contextos, no siempre se tendrá la garantía de que un proyecto será exitoso en sus diferentes ámbitos.

Las diferentes herramientas que la vida nos da como inspiración para hacer arquitectura son bastas. Pero, hay una que por su género y escala de proyectos, se caracteriza por dejarnos (en su mayoría) obras de excelente calidad espacial y funcional, que además se apegan a las bases por las cuales fue proyectado. Esta herramienta es “La Historia”.

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La historia como herramienta para el Diseño, puede abarcar cualquier acontecimiento, ya sea de escala regional, nacional o hasta internacional. La cantidad de información que rodea los acontecimientos históricos, brindan al arquitecto un exceso de ideas para aterrizar un buen proyecto, que transmita de manera directa o mediante abstracciones, aquel acontecimiento o época que la arquitectura quiere representar.

Analicemos 3 ejemplos. El primero, obra del arquitecto soviético Konstantin Melnikov, el Pabellón de la URSS para la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industrias Modernas en París en 1925. Este pabellón rompió con toda expectativa del público de la Exposición Internacional, Melnikov con su estilo constructivista quiso representar los nuevos ideales y valores revolucionaros soviéticos dejando a un lado la arquitectura de ornamentos que podría representar al imperio Ruso. El constructivismo era funcional y se enfocaba para ser la arquitectura de la clase social del proletariado.

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El segundo ejemplo, “The Crystal Palace” diseñado por Joseph Paxton y construido en 1851, albergó la Gran Exposición Mundial en Londres. El palacio de cristal se destacaba por su estructura en acero y sus paredes de cristal, cuyo diseño buscaba reflejar el avance industrial y comercial de la economía liberal capitalista, haciendo referencia a la revolución industrial. Su escala de tamaño considerable reflejaba el poder e importancia de Inglaterra, pero en su materialidad demostraba la industrialización avanzada del país, además de los avances tecnológicos y económicos.

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El tercer y último ejemplo, “El monumento a los judíos de Europa asesinados” diseñado por Peter Eisenman y Buro Happold. Un campo de 19,000 m2 inmersos en una retícula cuadriculada donde se encuentran 2711 volúmenes de hormigón con diferentes dimensiones. Según Eisenman, las estelas están diseñadas para producir una atmósfera incómoda y confusa. Quizá uno de los mejores proyectos que usa la historia para a través de la arquitectura reflejar sensaciones de tristeza e incomodidad, que nos atrapa y nos hace recordar uno de los peores acontecimientos históricos de la humanidad, “El Holocausto”.

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Podemos recalcar que la historia puede usarse como herramienta para la proyección de diferentes géneros arquitectónicos, desde una pequeña casa hasta un monumental memorial. La percepción que causa la arquitectura basada en historia también trabaja de diferentes maneras según la escala, puede afectar desde 1 sola persona hasta a miles y con diferentes sensaciones.

Una arquitectura bien cimentada en cuanto a su investigación histórica y que sirve como buena fuente de inspiración para crear espacios que evocan diferentes sensaciones, es una arquitectura que ha sido bien lograda y que pone el ejemplo para las siguientes generaciones de arquitectos que buscan referencias para futuros proyectos.

¿Cómo debemos vivir?

En los años 30 cuando se estableció el Departamento de Arquitectura y Diseño del Museo de Arte Moderno en Nueva York, los curadores del museo, guiados por la creencia que el poder del diseño puede cambiar nuestras experiencias y percepciones de la vida diaria, se enfocaron en la pregunta “¿Cómo debemos vivir?” cómo una de las cuestiones vitales en el diseño contemporáneo.

Esta exhibición en el MoMA que lleva el mismo nombre que este boletín, estuvo expuesta desde Octubre del 2016 hasta el pasado mes de Mayo. “¿Cómo debemos vivir?” exploró los procesos, materiales y colaboraciones que dieron forma al interior modernista. La exhibición contó con más de 200 piezas expuestas, como dibujos e impresiones, pintura y escultura, fotografía y películas.

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Enfocándose en entornos específicos, la exhibición mostraba el diseño de interiores domésticos, recreaciones de exhibiciones famosas y diseño de espacios comerciales. Todos estos trabajos fueron una recolección hecha desde los años 20s hasta los años 50s.

Las diferentes piezas van desde un carrito para té diseñado por Alvar y Aino Aalto, la “Frankfurt Kitchen” de Grete Lihotzky, algunas sillas de Ray y Charles Eames, hasta el estudio/habitación de Charlotte Perriand para el “Maison du Brésil”. Concentrándose no solo en los espacios habitables cotidianos, la exhibición contenía también mobiliario textil, posters y láminas de concursos, elementos de exhibiciones temporales y de exhibiciones promocionales.

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La exhibición, más que concentrarse solamente en obras maestras aisladas, pone su atención en la síntesis de la correlación que hay en el diseño de un objeto con su entorno, así como la conexión con factores y actitudes externas, como elementos sociales, tecnológicos y políticos.

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El análisis de cada elemento exhibido siempre tiene que ir más allá de analizarlo como un simple objeto expuesto para conocer de él. Se tiene que analizar su función, su materialidad, su aportación para el entorno para el cual fue diseñado y los contextos que llevaron a crear dicho objeto.

 El cómo debemos vivir se basa en la idea que la aportación del diseño a nuestro entorno de vida diaria, no se debe regir por la regla de la estética, sí no por la funcionalidad y la justificación de los elementos que rodean nuestra manera de vivir. Debemos analizar si nuestra vida diaria está conformada con elementos con los que de verdad deberíamos de vivir, sin ser imprescindibles pero que al mismo tiempo marquen algo dentro de nuestra cotidianeidad.

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III. Edificios para una ideología.

Casa del Fascio.

Nuestro siguiente edificio nos lleva a la Italia fascista de Benito Mussolini, en concreto a la localidad de Como, junto al precioso lago que le da el nombre, en el año 1932. Se trata de la sede del partido fascista local, diseñada por Giuseppe Terragni y es, en mi humilde opinión, el mejor ejemplo de que una obra de arte (de arquitectura en este caso) puede ser maravillosa por muy despreciable que sea su propósito.

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El edificio es un semi-cubo perfecto, con base cuadrada y una altura de la mitad del lado de dicha base. Sus cuatro fachadas son diferentes pero comparten una férrea modulación. La fachada principal, la más característica, es una cuadrícula porticada de 5 módulos de ancho por 4 de alto y un paño opaco, requisito fundamental del partido para poder colgar carteles con propaganda. Aquí se encuentra el acceso al edificio, un espacio acristalado remetido con respecto al plano de fachada y con el pavimento exterior penetrando hacia el interior. El interior del edificio está dominado por un gran atrio central cubierto con vidrio.

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La estructura del edificio es la que nos marca esa cuadrícula que se traduce en la fachada, extendiéndose en las 3 direcciones del espacio. Nos encontramos pues ante un magnífico ejemplo de arquitectura del movimiento moderno, el mejor ejemplo quizás del racionalismo italiano junto con la villa Malaparte de Adalberto Libera, pero también nos encontramos con un ejemplo de monumentalidad lleno de evocaciones al clasicismo, tanto en sus materiales (mármol de Bolticino) como en sus proporciones.

Tras la caída del fascismo el edificio fue reconvertido a Casa del Pueblo y ha sido utilizado por diversos organismos administrativos.

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II. Edificios para una ideología

La nueva cancillería del Reich.

Comenzamos con la Nueva Cancillería del Reich en Berlín. En enero de 1938 Albert Speer fue consultado por Adolf Hitler sobre la posibilidad de construir una nueva cancillería antes de una recepción de diplomáticos que tenía programada. Esa reunión sería en enero de 1939, un año después. Uno no se gana la amistad de un Führer diciendo que no, así que se embarcó en esa difícil tarea y, si bien no terminó para enero de 1939, en abril Hitler tenía nueva cancillería. El edificio es una gran representación de la idea que tenía el régimen nazi de lo que debía ser la arquitectura.

Con una estética fuertemente ligada al clasicismo, grandes dosis de monumentalidad y un refinado toque de sencillez funcional y racional. Una arquitectura que transmitiese imagen de poder y eficiencia. Speer juega como un maestro con la sensación que generan los espacios en sus visitantes. Se dice que uno de los objetivos que perseguía era que, para cuando el visitante llegase al despacho del Führer ya estuviera rendido a sus pies.

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El espacio más representativo del edificio es la Galería de Mármol, una majestuosa sala inspirada en la Galería de los Espejos del Palacio de Versalles.

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En el centro de esta gran sala se hallaba la puerta de acceso al despacho de Adolf Hitler. Un despacho cuidadosamente diseñado para recibir al visitante desde una posición ventajosa.

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Si nos fijamos bien parece que las patas del asiento del visitante eran muy cortas. Pues no lo parece, lo eran. ¿Ya mencionamos que la intención era que el Führer tuviera una posición ventajosa sobre el visitante? Otro detalle es que el escritorio se encuentra en una esquina de la sala, la esquina más alejada del acceso. Uno puede imaginarse la sensación de entrar en ese despacho y recorrer esa distancia bajo un techo con ese artesonado de madera, ante la atenta mirada de un Adolf Hitler a contraluz. Espeluznante.

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Sin embargo la zona administrativa se aleja un poco (nunca del todo) del leguaje clasicista y enfatiza en el carácter funcional y sobrio de la arquitectura de Speer, pero sin perder su monumentalidad.

El edificio fue destruido por los bombardeos aliados y desmantelado por los soviéticos, usando sus restos para la construcción de un monumento conmemorativo de la liberación en Treptower Park en el propio Berlín.

I. Edificios para una ideología

Desde la antigüedad los regímenes políticos se han ligado a la arquitectura como forma de transmitir un ideal, un pensamiento, una ideología. Un ejemplo muy claro y evidente es el imperio egipcio y la construcción de las pirámides. El poder absoluto y divino del faraón debía mostrarse a sus súbditos en todo su esplendor y qué mejor manera de hacerlo que edificar un monumento en forma de pirámide de tamaño colosal.

Hay muchísimos ejemplos de esto a lo largo de la historia, pero mi objetivo no es analizar la vinculación entre la arquitectura y la ideología, al menos no en este artículo. Mi objetivo de hoy es mucho más sencillo. Se trata de mostrar una serie de obras de arquitectura con un patrón común: su vinculación con una ideología.

¿Es posible que una obra de arte se valorar de forma ajena al fin para el que fue creada? ¿Podemos aislar dicha obra de los intereses a los que sirve y centrarnos únicamente en la concreción en sí? Yo creo que no solo podemos, sino que debemos hacer ese esfuerzo. Dejemos pues nuestros filtros ideológicos en el armario y empecemos a ver obras.

II. Cómics y Arquitectura

Flash Gordon, Moebius y Mendelsohn.

En 1934 el dibujante estadounidense Alex Raymond inicia una serie de tiras para un suplemento dominical de King Features Syndicate. Su argumento es absurdo: Flash Gordon, un famoso jugador de polo y Dale Arden, futura novia del héroe, se lanzan en paracaídas cuando el avión en que viajaban se estrella contra un meteorito que se dirige hacia la tierra. Este hecho inicia un conjunto de delirantes circunstancias que les lleva a viajar por el espacio hasta el planeta Morgo y combatir con el malvado Ming. Contra todo pronóstico las aventuras de Flash Gordon se convirtieron en un éxito.

Alex Raymond. Flash

Unos pocos años antes un entonces desconocido arquitecto alemán, Eric Mendelsohn, ve interrumpida su prometedora carrera por el estallido de la primera guerra mundial y tras servir como enfermero voluntario de la cruz roja se alistó con los ingenieros hasta el final de la guerra en 1918. En sus incursiones por el noroeste de Prusia descubre la arquitectura cambiante de las dunas de arena que plasma en un conjunto de dibujos que denomina “architecture of the dunes, 1920”.

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Uno de los aspectos que contribuyeron al éxito de las aventuras de Flash Gordon fueron los escenarios donde se desarrollaba la acción y que Alex Raymond supo plasmar en sus viñetas: ciudades sobre plataformas voladoras, torres imposibles, altas densidades… en la mayoría de los casos basadas en interpretaciones futuristas de antiguas civilizaciones.

Alex Raymond. Flash Gordon

Este mismo recurso escenográfico fue empleado por Fritz Lang para la película Metrópolis, como una ciudad de rascacielos cuya arquitectura casi art decó recuerda a los desarrollos urbanos que se estaban llevando a cabo en esos momentos en Nueva York y Chicago, filtrados por una estética maquinista y deshumanizada.

Fritz Lang. Metropolis. 1927

Interesado por esta arquitectura e influenciado por las corrientes expresionistas que reflejaba la película, Eric Mendelsohn dibuja edificios imaginarios que plasma en un conjunto de croquis, en muchas ocasiones sin un objetivo concreto, simplemente como divertimento.

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A miles de kilómetros Alex Raymond dibujaba monocromáticas construcciones verticales de base porticada que se alzan sobre una gran escalinata. Grandes faros de estética futurista que servían de escenario para las confrontaciones entre el emperador Ming y un joven Flash Gordon.

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Tras el regreso de la guerra, y gracias a su relación con el astrofísico Erwin Finlay-Freundlich, Eric Mendelsohn recibe el encargo de diseñar una torre como observatorio astrofísico en la ciudad alemana de Postdam. Para ello, recogiendo las investigaciones llevadas a cabo por el arquitecto, empezó a dibujar un conjunto de propuestas.

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Esta investigación se concretaría en lo que se convertiría en la obra maestra de la ‘Arquitectura Expresionista’ europea, la “Einstein Tower”.

Eric Mendelsohn. Torre de Einstein en Postdam. 1924

Epílogo: en 2011 una marca francesa de perfumes de lujo, Hermès, encarga a uno de lo mejores dibujantes de cómics del momento, Jean Giraud, más conocido como “Moebius”, la realización de un conjunto de ilustraciones que aludan al concepto de los viajes de Hermes (dios mensajero de la mitología griega). Como respuesta al encargo, Moebius realiza una serie de 9 dibujos que resumen en gran medida los conceptos desarrollados durante su larga trayectoria profesional. Torres monocromáticas, plantas porticadas, coronaciones a modo de observatorios…

Jean Giraud Moebius, Voyage d´Hermès, 2011

Fuente: Más de arte

Paulette Pattiserie: Dos culturas, un concepto

Paulette reinterpreta la Belle Époque de París en Guadalajara con la peculiar experiencia de llegar a un gran salón de té francés en el que puedes desayunar chilaquiles y acompañarlos con un eclairs y café mexicano. El estilo urbano parisino con lo decorativo de la Belle époque, las calles alumbradas con faroles de herrería, banquetas vestidas con macetas y fachadas con cariátides y grandes ventanales, en conjunto con lo más hermoso de la casa tradicional mexicana como un zaguán con el típico piso de mosaico de cemento.

La síntesis de lo contemporáneo y lo tradicional, de lo local y lo global, se expresa en este bistró. El grafismo es parte esencial del ambiente ya que recrea fachadas y escenas parisinas aplicadas en diferentes formatos, materiales y escalas, todo esto inspirado en el viaje a México ilustrado por franceses.

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Las artes decorativas se hacen visibles en la fluidez de las formas de las molduras de la arquitectura interior, así como en los detalles de la gran barra que con el diseño de su papel tapiz dan testimonio de lo sutil y lo sensible que es el diseño francés. La cerámica tapatía enmarcada por unas columnas inspiradas en un Kiosco mexicano Todos los elementos hallados en este espacio juegan con la memoria y el recuerdo al mismo tiempo que se unen en una propuesta que consolida lo cosmopolita como característica.

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Las fusiones de dos culturas muy ricas no solo aportaron elementos decorativos y espaciales a los más de 12 proyectos ya realizados para la marca Paulette, si no también se llegó a concretar toda una experiencia de servicio integral, proponiendo la importancia del concepto en el contexto.

Escaleras Art Decó y Bauhaus por Ballint Alovits

El fotógrafo Balint Alovits compartió con nosotros su última serie de fotografías, titulada Time Machine, que registra las escaleras de edificios Art Decó y Bauhaus en Budapest, Hungría. Las fotografías se muestran desde la misma perspectiva central: «crean una nueva dimensión mediante la división del espacio y el tiempo, manteniendo siempre los límites del concepto visual del proyecto, mientras que la percepción de los detalles arquitectónicos evocan la idea de infinito».

«Siempre me han gustado los edificios Art Decó y Bauhaus», explicó Alovits. «Cada vez que entro en uno de estos caracoles, siento una cierta energía que me hace mirar hacia arriba o hacia abajo. Quería recoger y mostrar las diferentes formas y colores de las escaleras».

«Después de algún tiempo, se desarrolla un sexto sentido para ello -si te encuentras con puertas ornamentadas o grandes paneles de vidrio, existe una buena probabilidad de que adentro hay algo que ver también».

«Observar estas formas espirales desde una perspectiva diferente evoca la idea de un vértice infinito que parece de otro mundo».

Estructuras: Belleza y Eficiencia

Desde tiempos primitivos, el hombre ha encontrado la necesidad de incorporar arte en todo tipo de herramientas y elementos utilitarios de la vida diaria. Los artesanos tenían la encomienda de realizar objetos que ayudaran en las tareas básicas con el menor esfuerzo posible. De todos estos objetos, los que mayor valor adquirían son los que además de cumplir su función generaban mayor vinculación con los sentimientos de quienes los poseían. Es decir, características objetivas y subjetivas en equilibrio.

En las estructuras se pretenden conciliar estos mismos hechos. Por un lado los aspectos técnicos-físicos inherentes a un sistema constructivo, y su esencial contribución estética que le dé valor y permanencia. El éxito de una estructura es aquella que logre ser proyectada para que resulte placentera al espectador, tomando los principios ingenieriles que la hagan posible. No al revés. A lo que podemos decir que es esencial que se cumplan ambas. Los proyectistas somos conscientes que las ideas que eleven costos sin dar valor, no son arte. Son viles. De aquí se desprende la búsqueda de elementos estructurales que abonen al éxito estético y funcional de un proyecto.

Por tanto, buscar la belleza de una estructura es buscar elementos técnicos de estricta necesidad, que en armonía generen vinculación con el pensamiento subjetivo que llamamos arte.

EJEMPLO: EDIFICIO VI: BUSQUEDA DE ELEMENTOS ESTÉTICOS QUE EFICIENTICEN SU ESTRUCTURA.

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EJEMPLO: PUENTE DE LA IGUANA

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