Historia, historia de la arquitectura y Eric Fernie.

La ‘Historia’ es una etiqueta que puede presentar complejidades irrelevantes, según el historiador del arte Eric Fernie (1939-),  quien menciona que hay cuatro problemas principalmente:

  1. Significa tanto el pasado como el estudio académico del pasado.
  2. Debido a su asociación con documentos escritos, este estudio académico se aplica sólo a un pequeño fragmento del pasado humano. Esto a su vez conduce a lo absurdo de un período llamado ‘prehistoria’, lo que se vuelve doblemente extraño por el hecho de que el pasado pre o no humano se conoce muy apropiadamente como “historia natural”.
  3. La arqueología, que es el estudio de la evidencia material o no documental. Aunque su  papel es claro y esencial, los arqueólogos han tendido a definir su contribución como un tema en sí mismo, un gemelo con la historia. Sin embargo, estos no son dos temas diferentes, como, por ejemplo, química y física o lingüística y anatomía, que, incluso si se superponen, realmente son áreas diferentes de investigación. El pasado es una red sin fisuras y la arqueología es simplemente uno de los conjuntos de técnicas de la disciplina histórica con la que se explora.
  4. Historia ha significado tradicionalmente la historia del poder, dejando que el estudio de otros aspectos del pasado sea identificado como tal (historia social, historia económica, etc., cada uno con su adjetivo). Por ejemplo es fácil aceptar que el poder político tiene un mayor impacto en, por ejemplo, la arquitectura que viceversa.

 

Las subdivisiones principales son por área de actividad humana (política, social, económica, arquitectónica, metrológica), por período (bizantino, moderno, siglo XIX), por lugar (latinoamericano, escocés, local) y por rama, (paleográfica, lingüística, petrológica). Todos son capaces de cruzarse con los demás. Todos tienen fuertes tendencias a la separación, porque de cosas como la ambición académica y la sociabilidad, y porque las diferencias son exageradas por diversas organizaciones, como las sociedades científicas como la nuestra.

      Es por todas estas confusiones que el Dr Fernie ofrece su punto de vista sobre los problemas que puedan presentar ante el historiador de la arquitectura al mismo tiempo que propone una solución.

      El historiador de la arquitectura, como todos los demás, debe tener cuidado al usar evidencia documental. Tomar textos al pie de la letra es un buen principio, pero puede inducir a errores. Éstos son el reverso de los textos engañosos, ya que están disponibles y son claros en su significado, pero son ignorados, o en el mejor de los casos, discutidos.

     El análisis estilístico, una de las principales herramientas históricas del arte para tratar con objetos, ha sido criticado por todos lados, por historiadores documentales, por arqueólogos, por antropólogos. Contra esta crítica, sin embargo, hay una consideración poderosa, a saber, la importancia que tiene el estilo para los miembros de una sociedad. Uno solo necesita recordar de su propia experiencia.

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De igual manera, el historiador del arte escocés, comenta que aunque un arquitecto que escriba historia de la arquitectura y esta se vea enriquecida con muchos conceptos y aportaciones – debido a la experiencia en el campo-, no habrá alguien que compare las habilidades del  historiador en esta misma tarea.

 

Estos fueron los ganadores de la Bienal de Arquitectura del Colegio de Arquitectos de Nuevo León.

El pasado 27 de octubre se llevó a cabo la ceremonia de premiación de la XIX Bienal de Arquitectura del Colegio de Arquitectos de Nuevo León. El evento tuvo lugar en el Pabellón M, donde además la exposición de todos los participantes se encuentra expuesta en la planta baja del mismo de edificio desde el 18 de octubre y hasta el 3 de noviembre.

La participación fue copiosa y 48 proyectos construidos en Nuevo León o por arquitectos de Nuevo León en México o el extranjero. Esta es la primera bienal de este Colegio que es expuesta públicamente en un lugar de concurrencia pública más allá de profesionales del gremio.

El gran premio, la Medalla de Oro fue otorgado al Proyecto Distrito Valle del Campestre diseñado por Ecotono Urbano del Arq. Oswaldo Zurita, quien se hizo acreedor al premio por convertirse en un ejemplo a seguir en el manejo del espacio público en Monterrey. Además se entregaron 10 callis de Cristal, 14 Menciones de honor y un ladrillo de Cristal a distintos proyectos participantes.

Por otro lado, se convocó a estudiantes de la carrera de arquitectura a participar en la Categoría Estudiantil. Conoce a todos los ganadores en la ésta liga.

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Cortesía de Colegio de Arquitectos de Nuevo León

 

CITA: Karina Zatarain. “Estos fueron los ganadores de la Bienal de Arquitectura del Colegio de Arquitectos de Nuevo León” 28 oct 2017. ArchDaily México. Accedido el 31 Oct 2017. <https://www.archdaily.mx/mx/882501/estos-fueron-los-ganadores-de-la-bienal-de-arquitectura-estudiantil-del-colegio-de-arquitectos-de-nuevo-leon>

 

Aprendiendo de Learning From Las Vegas.

Uno de los programas con los que cuenta el Estudio 3.14 es al que se ha llamado Learning From (…) y del que actualmente se cuenta con dos ediciones. Si bien es cierto que el nombre da una pista de lo que podemos encontrar, es necesario conocer de dónde se ha tomado prestado el nombre para poder saber el trasfondo de éste proyecto.

En la revista Architectural Forum de Marzo de 1968 se publicó un artículo escrito por los arquitectos Estadounidenses Denise Scott Brown y su esposo Roberto Venturi. Este lleva por título “A Significance for A&P Parking Lots, or Learning from Las Vegas”.

No hace falta leer más allá de la primeras páginas para comprender que en dicho artículo se estudia de forma analítica el quehacer arquitectónico de la época y que se analiza a la corriente Modernista. Para sustentar lo dicho, se enfocan específicamente en una pequeña sección de no más de 7 km de longitud; Las Vegas Strip, ésta ruta turística que a partir de su creación y su propagación ha ocupado un lugar en nuestro imaginario.

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Mapa de Las Vegas Strip tomada del libro Learning From Las Vegas, 1972

Durante los siguientes tres años realizaron varios viajes de campo a Las Vegas, Nevada; tanto el dúo de arquitectos como un grupo de estudiantes de la Yale School of Arts And Architecture. Durante estos se reflexionó sobre la arquitectura, el imaginario y los símbolos de dicho lugar, el ejercicio terminó con la crítica del pensamiento de Le Corbusier y seguidores.

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Fotografías de Roberto Venturi y Denise Scott Brown en Las Vegas, 1968. Archivo de Venturi and Scott Brown.

Para el año de 1972 bajo el sello editorial del MIT, se publicó Learning From Las Vegas, un libro que dividió las opiniones de los arquitectos y de los estudiosos de la materia. Dicha obra está distribuida en dos partes; la primera es el artículo (ya antes mencionado) del ‘68 y la segunda lleva por título “Ugly and Ordinary Architecture, or the Decorated Shed” (La arquitectura fea y ordinaria, o la caja decorada).

Dicho ejercicio práctico y teórico sentó las bases para una propuesta Postmodernista, en donde se incorpora a la tarea del arquitecto el conocer y comprender el contexto circundante del lugar a trabajar: contemplando el ambiente social, natural, construído e histórico.

El ejemplo con el que nos mostraron ésto, es la comparación entre el pato y la caja decorada (“The Duck and the Decorated Shed”). El primero personifica a un edificio del movimiento Moderno, el cual es expresivo tanto en forma como en volumen. Mientras el segundo se basa en los símbolos y en el imaginario, justo como los arquitectos lo hacían en la Edad Media

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Ilustración tomada de Learning From Las Vegas, 1972.

Argumentaron que las construcciones que preceden al movimiento Moderno utilizaban la ornamentación en las fachadas para transmitir un significado, mientras que los modernistas pusieron su confianza en los elementos estructurales (o corporales) para emitir la significación. Es así que para los autores el movimiento liderado por Le Corbusier, es uno totalmente mudo y vacío.

En el Estudio 3.14 se han implementado una serie de prácticas de campo que se conciben desde el planteamiento de Venturi y Scott Brown. Estas nos ayudan a conocer, comprender y realizar mejor nuestro trabajo profesional de una manera razonada, en donde no solamente se sigue el instinto creador sino también el de la investigación.

Es así que se generan dentro del Estudio dos ejercicios que exploran la metodología de estos dos arquitectos estadounidenses; Learning From Tapalpa (2017) y Learning From Rancho (2017). Ambos proyectos se han nutrido de texturas, colores e historias que sin éstas prácticas no hubieran sido contempladas en nuestro deber con la arquitectura y su entorno.

 

 

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Equipo multidiciplinario del Estudio 3.14 trabajando en Learning From Rancho (2017).

 

La experiencia obtenida de ambos estudios serán publicadas en las siguientes ediciones del newsletter. Mientras tanto pueden revisar algunas de las fotografías que se tomaron en la cuenta de Instagram.

 

Gypsy Lara 

7 casos de grandes obras arquitectónicas en estado de deterioro

¿Cuántas vidas tiene una gran obra de arquitectura? La primera comienza cuando es construida y habitada, y se juzga por el impacto que tiene sobre la calidad de vida de sus habitantes. La segunda llega generaciones después cuando su relevancia se vuelve histórica y quizá su función inicial ya no se adapta a la sociedad que la rodea. El valor de este tipo de edificios reside en lo que nos comunican del pasado y por ello su conservación es necesaria.

Sin embargo, en Latinoamérica hay incontables casos de edificios con gran valor arquitectónico que se encuentran en estados lamentables de descuido y deterioro. Siete ejemplos a continuación:

1. Los Manantiales de Félix Candela Ciudad de México, México

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Este edificio construido en 1957 se ubica en Xochimilico, y es un espacio de gran significación cultural en la Ciudad de México debido a sus orígenes prehispánicos. El arquitecto Candela propuso un diseño que pudiera integrarse con los jardines al modo de un objeto flotante y a partir de su estructura similar a una flor de loto, formada por la intersección de 4 paraboloides hiperbólicos.

Actualmente sigue funcionando como restaurante y espacio de baile con grupo musical en vivo, sin embargo los espacios interiores y exteriores han visto mejores días. La humedad y el tiempo se reflejan en la pintura que cae a pedazos, mientras que los focos utilizados en la losa varían de tipos o no se reemplazan.

2. Parador Ariston de Marcel Breuer Mar de Plata, Argentina 

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Se ubica en el barrio de La Serena, en Mar del Plata, Argentina y fue diseñado por el arquitecto húngaro Marcel Breuer y construido en el año 1948. La intención detrás del proyecto fue contener reuniones sociales, bailes y cócteles, y se levantó en una planta elevada con formas curvas inspiradas en la imagen de un trébol, permitiendo un máximo acristalamiento e ingreso de luz solar.

Lamentablemente, el edificio se encuentra en ruinas y total abandono, a pesar de algunas iniciativas ciudadanas para recuperarlo. Los muros se encuentran graffiteados y las ventanas tapiadas con madera, estados que difícilmente podrán mejorar ya que el Parador Ariston no está protegido ni figura dentro del listado de bienes patrimoniales de la ciudad de Mar del Plata.

3. Edificio Copelec de Juan Borchers, Jesús Bermejo e Isidro Suárez Chillán, Chile 

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Declarado Monumento Histórico en 2007, este edificio de la ciudad de Chillán es considerado como una de las obras más importantes de la época. El edifico brutalista fue diseñado por la oficina de Juan Borchers, conformado por los arquitectos Juan Borchers, Jesús Bermejo e Isidro Suárez en 1962. Es una de las pocas obras construidas por Borchers (1910-1975) siendo, junto con la Casa Meneses, su obra más emblemática.

Aunque en 2013 corrieron rumores que anunciaban que el edificio se restauraría para ser convertido en Centro Cultural, actualmente mantiene su uso original como oficinas de su propietario, la Cooperativa Eléctrica de Chillán, estacionamientos, almacenes y talleres de bicicletas.

4. Casa Robles Castillo de Luis Barragán Guadalajara, México

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En 1926 el doctor Adolfo Robles León le encargó a un joven Luis Barragán su primer diseño para una casa habitación, y el resultado fue la Casa Robles Castillo ubicada en la colonia Americana de la ciudad de Guadalajara.

En tiempos recientes, el inmueble ha sido rentado para distintos fines comerciales, entre ellos un restaurante-bar, un local de Subway, y actualmente una taquería estilo Tesistán. Entre rentas, la casa sufría de abandono y graffiti, por lo cual aunque su cambio de vocación ha ocasionado debate, es sin duda preferible.

5. Club de Yates Santa Paula de Vilanova Artigas São Paulo, Brasil

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Este gran edificio de 1961 se define por una cubierta rectangular de una losa tripartita, con ocho pilares dispuestos simétricamente a ambos lados, apoyados directamente en los bloques de fundación sobre muros forrados de piedra. Un piso más alto da continuidad a la cota de la avenida y una planta baja que ocupa 2/3 del área de proyección de la cubierta, que se sitúa en la cota de nivel del lago, conformando un zócalo semi-enterrado envuelto por los muros de arrimo.

Aunque el edificio tiene un gran valor dentro de la arquitectura moderna brasileña, al dejar de utilizarse comenzó su deterioro y maltrato.

6. Ladera de la Misericordia de Lina Bo Bardi Pelourinho, Brasil

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Lina Bo Bardi fue una de las arquitectas más importantes y expresivas de la arquitectura brasileña del Siglo XX. El edificio Ladera de la Misericordia, construido en 1987, consta de un conjunto de cilindros de mortero armado que albergan un restaurante con un gran árbol creciendo en su centro, y luz inundando el espacio desde un techo abierto.

El edificio es un importante ejemplo de la unión armoniosa de arquitectura colonial con el movimiento modernista. Sin embargo, actualmente la Fundación Gregório de Mattos, dueña del edificio, lo tiene olvidado y descuidado con escombro en el suelo y postigos rotos.

7. Invernadero del Parque Quinta Normal Santiago, Chile

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El Invernadero del Parque Quinta Normal es un Monumento Nacional de Santiago que guarda una historia de 150 años. Según las estimaciones fue construido en 1866 e instalado en el parque en 1890 como un observatorio de plantas. Sin embargo, desde 1995 que no tiene un uso definido y permanece abandonado.

Si bien en 2014 hubo anuncios respecto de la restauración del lugar, no fue hasta abril del 2016 que el Consejo de Monumentos Nacionales aprobó la iniciativa presentada por la Municipalidad de Santiago. El proyecto de restauración se estará llevando a cabo este año.

Fuente: Archdaily

IV. Edificios para una ideología.

Universidad Laboral de Gijón

En España el régimen franquista también quiso tener un estilo arquitectónico reconocible y también quiso que ese estilo estuviese impregnado de neoclasicismo. Un ejemplo muy conocido es el Ministerio del Aire en Madrid, del arquitecto más prolífico en tiempos del régimen, Gutiérrez Soto. Pero he preferido traerles un edificio mucho menos conocido pero, para mí, más interesante. Es la Universidad Laboral de Gijón de Luis Moya.

En la década de los 40, tras un accidente minero en Asturias, el régimen franquista decidió crear un orfanato de acogida para niños cuyos padres habían sido víctimas de accidentes laborales. En ese orfanato se debía formar a los niños y, por tanto, debía contar con todas las dependencias necesarias para la enseñanza (escuela, talleres, residencia, instalaciones deportivas, iglesia -no olvidemos en qué época estamos-, teatro… etc). Posteriormente, una vez iniciada su construcción, se decidió añadirle una parte de formación laboral para cuando esos niños se convirtiesen en jóvenes. Así se acabó creando la Universidad Laboral de Gijón.

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Como vemos se trata de un complejo edificado, más que de un edificio en sí, pero el objetivo del arquitecto es dar una imagen unitaria y completa. Huye de la fragmentación del programa en varios edificios que dialoguen entre sí, enfrentándose a la difícil tarea de articular una unidad compuesta de muchas partes. La articulación de dichas partes se realiza mediante la disposición de patios, a modo de El Escorial, destacando el patio principal donde se encuentran el Teatro y la Iglesia.

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La Iglesia, con su geometría elíptica, tiene una posición predominante dentro del complejo, no solo por su disposición central en la composición del edificio sino también por su posición como remate del eje de la plaza principal. La composición de las fachadas dota al conjunto de la pretendida unidad arquitectónica.

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Con la caída del régimen y la llegada de la democracia el complejo pasó a ser un instituto de enseñanza secundaria y tras ser prácticamente abandonado se acometió su rehabilitación siendo hoy en día un lugar que acoge una gran cantidad de ofertas culturales.

Las 10 obras más impresionantes de Zaha Hadid

“Ahora vemos más mujeres arquitectas establecidas”, dijo Zaha Hadid al obtener el premio que la convirtió en la primera mujer en recibir la Medalla de Oro del Instituto Real de Arquitectos Británicos en reconocimiento a su trabajo.

Entre los premios más destacados que Hadid recibió a lo largo de su carrera están el Mies van der Rohe (2003), el Premio Pritzker en el 2004 (la primera mujer que consiguió este galardón) y el Praemium Imperiale (2009).

El 31 de marzo de este año, la arquitecta iraquí murió en Miami, Florida, a la edad de 65 años a causa de un ataque cardíaco mientras era tratada por una bronquitis.

Partió una estrella de la arquitectura mundial, pero nos deja un legado de belleza con sus imponentes y emblemáticas obras que se extienden desde Hong Kong hasta Londres.

Te presentamos las 10 obras arquitectónicas más impresionantes de Hadid. Un trabajo digno de admirar:

1.   Wangjing SOHO

Wangjing SOHO

El Wangjing SOHO es conjunto multifuncional que alberga oficinas y locales comerciales está ubicado en el subdistrito de Wangjing, un centro de tecnología para empresas como Panasonic o Telecom en Beijing, China. Rodeado por 60.000 metros cuadrados de jardines, Wangjing Soho se compone de tres torres cuya forma sugiere la de una colina —la más alta de las cuales mide 200 metros— y de otros tres cuerpos más bajos que confieren continuidad al conjunto.

2.   Guangzhou Opera House

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Con vistas al río de la Perla, el Guangzhou Opera House es un moderno auditorio ubicado en el centro de Guangzhou, al sur de la República Popular China. Cuenta con tecnología de vanguardia en su diseño. Una estructura de acero, vidrio y granito que tardó cinco años en construirse. Tiene capacidad para 1.804 personas y se convirtió en un monumento del nuevo milenio.

3.   Centro Cultural Heydar Aliyev

Centro Cultural Heydar Aliyev

Obra que le permitió a Hadid obtener el premio Design of the Year 2014. El diseño del Centro de Heydar Aliyev establece una relación continua y fluida entre su plaza circundante y el interior del edificio. Elaborando formaciones tales como ondulaciones, bifurcaciones, pliegues e inflexiones, modifica esta superficie de la plaza en un paisaje arquitectónico que lleva a cabo una multitud de funciones: la bienvenida, el cobijo, y la dirección a los visitantes a través de diferentes niveles del interior.

4.   Museo Riverside de Glasgow

Museo Riverside de Glasgow

Zaha Hadid ganó este concurso público para construir un nuevo Museo del Transporte compitiendo con arquitectos tan destacados como Norman Foster, Richard Rogers o Daniel Libeskind. Este edificio, que sustituyó al antiguo museo del transporte, era necesario, ya que la popular colección del museo necesitaba un espacio apropiado para guardar sus amplios archivos y ofrecer un espacio expositivo acorde a la nueva época. La obra del Riverside Museum finalizó el 20 de junio de 2011, en el Pointhouse Quay, en Glasgow, Escocia.

5.   Centro Acuático de Londres

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El concepto arquitectónico de esta obra esta inspirado por el agua en movimiento, creando espacios en un ambiente alrededor que reflejen los paisajes de la costa del Parque Olímpico. El Centro Acuático de Londres, más conocido en el Reino Unido como London Aquatics Centre (LAC) fue la sede de los Juegos Olímpicos de Londres 2012. Se abrió para uso público desde el mes de marzo de 2014.

6.   Puente Sheik Zayed

Sheikh Zayed Bridge

El Sheikh Zayed Bridge fue el segundo puente diseñado por Zaha Hadid. En realidad, el primero si consideramos que el Pabellón Puente de Zaragoza se creó más para recorrer su interior que para llegar a la otra orilla. Esta obra ubicada en Abu Dhabi, capital de los Emiratos Árabes Unido, fue construida en 2010 con un presupuesto de USD 300 millones. Su diseño curvo evoca a las onduladas dunas del desierto.

7.   Pabellón Puente

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El Bridge Pavilion es un innovador edificio horizontal que fungió como entrada principal de la Exposición Internacional dedicada al Agua que se celebró en Zaragoza en el verano de 2008. Cabe destacar el método de construcción, ya que la estructura se construyó en tierra firme para, una vez completada, desplazarla a su ubicación final. Esto significa desplazar una estructura de 140 metros sin emplear ningún apoyo intermedio.

8.   Estación Congress

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Congress Station es la a primera estación de ferrocarril diseñada por Zaha Hadid en Innsbruck, Austria. Cumpliendo con los más altos estándares de arquitectura y explorando los límites del diseño y la tecnología en lo que a construcción respecta. Esta estación se ha convertido en punto de referencia mundial del diseño urbano.

9.   Torre de innovación Jockey Club

Jockey Club Innovation Tower

El edificio Jockey Club Innovation Tower (JCIT) es el hogar de la Universidad Politécnica de Hong Kong (PolyU), de la Escuela de Diseño y del Instituto de Diseño de Jockey Club para la Innovación Social. La obra fue finalizada en 2013, siendo cuatro años el tiempo necesario para su construcción.

10.   BMW Central Building

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El BMW Central Building está ubicado en Leipzig, Alemania, y es la sede central de la marca automotriz. Fue abierto en el 2005 y se contruyó con un presupuesto de USD 60 millones. El proyecto de Hadid resultó de una competición en la que participaron un total de 24 propuestas. En 2005 recibió el German Architectural Award, uno de los galardones más prestigiosos de la arquitectura alemana.

III. Cómics y Arquitectura

Archigram

Archigram (1961-1974) fue un grupo enmarcado en el anti diseño, era futurista, anti heroico y pro-consumista formado por seis jóvenes de muy diferentes perfiles: Warren Chalk, Peter Cook, Dennis Crompton, David Greene, Ron Herron y Michael Webb, que se inspiraban en la tecnología para crear una nueva realidad que fuera expresada solamente a través de proyectos hipotéticos.

El grupo arrancó en 1961 con un magazine precario y experimental llamado “Archigram” (Arquitecture + Telegram) que se entregaba en mano a los estudiantes de arquitectura de Londres por nueve peniques y que en él daban rienda suelta a ideas, conceptos y proyectos utópicos con un discurso inspirado en el pop, el hipismo, con las cúpulas geodésicas de Buckminster Fuller, las ferias ambulantes, los cómics, el mecano, la carrera espacial o las películas de ciencia ficción.

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Los 9 números que publicaron mezclaban el cómic y la arquitectura en un collage caótico y muy divertido que recuerdan las ilustraciones de los Beatles o Monty Python, atacaban el conservadurismo de los arquitectos británicos de la época y ofrecían visiones seductoras de una glamorosa era futura de las máquinas dejando de lado los temas sociales y ambientales.

En 1963 el Institute of Contemporary Arts de Londres invitó al grupo a montar la exposición Living City que se convirtió en un manifiesto, en la concepción de la ciudad como un organismo único más que en una colección de edificios, dejando a la vista que las personas se sirven de la arquitectura para decidir cómo vivir sus vidas y no al revés y convirtiendo a la arquitectura como un estado efímero móvil que tomaba el comportamiento y la información como material bruto con el que diseñar ciudades igual que el acero, el cristal o el hormigón.

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El proyecto de Peter Cook Plug in city sugiere una hipotética ciudad de fantasía, que contiene unidades residenciales modulares que se conectan a una máquina central, y que se puede considerar una mega estructura en constante evolución que incorpora residencias, transporte y otros servicios esenciales, todo transportable mediante grúas gigantes.

La insatisfacción con el status quo empujó la experimentación arquitectónica colectiva a soñar con escenarios urbanos alternativos, que se elevan sobre la cara del formalismo superficial y las tendencias suburbanas aburridas y comunes del modernismo británico de la época y sugiere, sobre todo, una liberación de la respuesta modernista de los suburbios además de un nuevo estilo de vida nómada.

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Casi en paralelo se promueve The walking city de Ron Herron que daba continuidad al sentido dinámico y tecnológico pero mucho más utópico al proponer ciudades nómadas que, contenidas en grandes estructuras, pudieran moverse por todo el mundo según las necesidades de sus habitantes en cuanto a clima o recursos, dando incluso la oportunidad de asociarse entre ellas y creando grandes metrópolis móviles, definitivamente un concepto extremo e irrealizable pero que podía intuir características de nuestra actual vida globalizada.

La forma derivó de una combinación de insecto y máquina haciendo una interpretación literal del aforismo de Le Corbusier de la casa como una máquina habitable. El contexto era percibido como un futuro mundo en ruinas después de una gran guerra nuclear.

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Archigram, concebía la tecnología y su capacidad automatizadora como un medio para liberar a las personas de cargas tediosas. Con un espíritu provocador y revolucionario, consiguieron remover conciencias justo en un momento en el que la arquitectura volvía a academizarse, con gráficos y diseños que pretendían acercarse a un mundo aún desconocido, superar límites con proyectos que por extremos no han llegado a realizarse pero con ideas soñadoras que consiguen inspirar en gran medida el pensamiento y la producción arquitectónica hasta nuestros días considerándolos uno de los grupos más inspiradores e influyentes de la arquitectura moderna. Hoy se pueden palpar las visiones de Archigram en los móviles, los vehículos conectados, las arquitecturas responsivas y el crecimiento del nomadismo.

La Historia como herramienta para el Diseño

A través del tiempo, la arquitectura ha sido una disciplina que se ha desarrollado bajo la justificación de ciertos criterios para la proyección y ejecución de sus obras. Algunos criterios podrían ser considerados como contextos sociales, históricos y ambientales. Si bien la arquitectura debe justificarse y apegarse a estos contextos, no siempre se tendrá la garantía de que un proyecto será exitoso en sus diferentes ámbitos.

Las diferentes herramientas que la vida nos da como inspiración para hacer arquitectura son bastas. Pero, hay una que por su género y escala de proyectos, se caracteriza por dejarnos (en su mayoría) obras de excelente calidad espacial y funcional, que además se apegan a las bases por las cuales fue proyectado. Esta herramienta es “La Historia”.

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La historia como herramienta para el Diseño, puede abarcar cualquier acontecimiento, ya sea de escala regional, nacional o hasta internacional. La cantidad de información que rodea los acontecimientos históricos, brindan al arquitecto un exceso de ideas para aterrizar un buen proyecto, que transmita de manera directa o mediante abstracciones, aquel acontecimiento o época que la arquitectura quiere representar.

Analicemos 3 ejemplos. El primero, obra del arquitecto soviético Konstantin Melnikov, el Pabellón de la URSS para la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industrias Modernas en París en 1925. Este pabellón rompió con toda expectativa del público de la Exposición Internacional, Melnikov con su estilo constructivista quiso representar los nuevos ideales y valores revolucionaros soviéticos dejando a un lado la arquitectura de ornamentos que podría representar al imperio Ruso. El constructivismo era funcional y se enfocaba para ser la arquitectura de la clase social del proletariado.

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El segundo ejemplo, “The Crystal Palace” diseñado por Joseph Paxton y construido en 1851, albergó la Gran Exposición Mundial en Londres. El palacio de cristal se destacaba por su estructura en acero y sus paredes de cristal, cuyo diseño buscaba reflejar el avance industrial y comercial de la economía liberal capitalista, haciendo referencia a la revolución industrial. Su escala de tamaño considerable reflejaba el poder e importancia de Inglaterra, pero en su materialidad demostraba la industrialización avanzada del país, además de los avances tecnológicos y económicos.

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El tercer y último ejemplo, “El monumento a los judíos de Europa asesinados” diseñado por Peter Eisenman y Buro Happold. Un campo de 19,000 m2 inmersos en una retícula cuadriculada donde se encuentran 2711 volúmenes de hormigón con diferentes dimensiones. Según Eisenman, las estelas están diseñadas para producir una atmósfera incómoda y confusa. Quizá uno de los mejores proyectos que usa la historia para a través de la arquitectura reflejar sensaciones de tristeza e incomodidad, que nos atrapa y nos hace recordar uno de los peores acontecimientos históricos de la humanidad, “El Holocausto”.

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Podemos recalcar que la historia puede usarse como herramienta para la proyección de diferentes géneros arquitectónicos, desde una pequeña casa hasta un monumental memorial. La percepción que causa la arquitectura basada en historia también trabaja de diferentes maneras según la escala, puede afectar desde 1 sola persona hasta a miles y con diferentes sensaciones.

Una arquitectura bien cimentada en cuanto a su investigación histórica y que sirve como buena fuente de inspiración para crear espacios que evocan diferentes sensaciones, es una arquitectura que ha sido bien lograda y que pone el ejemplo para las siguientes generaciones de arquitectos que buscan referencias para futuros proyectos.

III. Edificios para una ideología.

Casa del Fascio.

Nuestro siguiente edificio nos lleva a la Italia fascista de Benito Mussolini, en concreto a la localidad de Como, junto al precioso lago que le da el nombre, en el año 1932. Se trata de la sede del partido fascista local, diseñada por Giuseppe Terragni y es, en mi humilde opinión, el mejor ejemplo de que una obra de arte (de arquitectura en este caso) puede ser maravillosa por muy despreciable que sea su propósito.

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El edificio es un semi-cubo perfecto, con base cuadrada y una altura de la mitad del lado de dicha base. Sus cuatro fachadas son diferentes pero comparten una férrea modulación. La fachada principal, la más característica, es una cuadrícula porticada de 5 módulos de ancho por 4 de alto y un paño opaco, requisito fundamental del partido para poder colgar carteles con propaganda. Aquí se encuentra el acceso al edificio, un espacio acristalado remetido con respecto al plano de fachada y con el pavimento exterior penetrando hacia el interior. El interior del edificio está dominado por un gran atrio central cubierto con vidrio.

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La estructura del edificio es la que nos marca esa cuadrícula que se traduce en la fachada, extendiéndose en las 3 direcciones del espacio. Nos encontramos pues ante un magnífico ejemplo de arquitectura del movimiento moderno, el mejor ejemplo quizás del racionalismo italiano junto con la villa Malaparte de Adalberto Libera, pero también nos encontramos con un ejemplo de monumentalidad lleno de evocaciones al clasicismo, tanto en sus materiales (mármol de Bolticino) como en sus proporciones.

Tras la caída del fascismo el edificio fue reconvertido a Casa del Pueblo y ha sido utilizado por diversos organismos administrativos.

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II. Edificios para una ideología

La nueva cancillería del Reich.

Comenzamos con la Nueva Cancillería del Reich en Berlín. En enero de 1938 Albert Speer fue consultado por Adolf Hitler sobre la posibilidad de construir una nueva cancillería antes de una recepción de diplomáticos que tenía programada. Esa reunión sería en enero de 1939, un año después. Uno no se gana la amistad de un Führer diciendo que no, así que se embarcó en esa difícil tarea y, si bien no terminó para enero de 1939, en abril Hitler tenía nueva cancillería. El edificio es una gran representación de la idea que tenía el régimen nazi de lo que debía ser la arquitectura.

Con una estética fuertemente ligada al clasicismo, grandes dosis de monumentalidad y un refinado toque de sencillez funcional y racional. Una arquitectura que transmitiese imagen de poder y eficiencia. Speer juega como un maestro con la sensación que generan los espacios en sus visitantes. Se dice que uno de los objetivos que perseguía era que, para cuando el visitante llegase al despacho del Führer ya estuviera rendido a sus pies.

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El espacio más representativo del edificio es la Galería de Mármol, una majestuosa sala inspirada en la Galería de los Espejos del Palacio de Versalles.

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En el centro de esta gran sala se hallaba la puerta de acceso al despacho de Adolf Hitler. Un despacho cuidadosamente diseñado para recibir al visitante desde una posición ventajosa.

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Si nos fijamos bien parece que las patas del asiento del visitante eran muy cortas. Pues no lo parece, lo eran. ¿Ya mencionamos que la intención era que el Führer tuviera una posición ventajosa sobre el visitante? Otro detalle es que el escritorio se encuentra en una esquina de la sala, la esquina más alejada del acceso. Uno puede imaginarse la sensación de entrar en ese despacho y recorrer esa distancia bajo un techo con ese artesonado de madera, ante la atenta mirada de un Adolf Hitler a contraluz. Espeluznante.

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Sin embargo la zona administrativa se aleja un poco (nunca del todo) del leguaje clasicista y enfatiza en el carácter funcional y sobrio de la arquitectura de Speer, pero sin perder su monumentalidad.

El edificio fue destruido por los bombardeos aliados y desmantelado por los soviéticos, usando sus restos para la construcción de un monumento conmemorativo de la liberación en Treptower Park en el propio Berlín.